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John Lewis y su emotiva historia de solidaridad

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Ya sabemos que las campañas de Navidad suelen ser muy emotivas, y el nuevo spot de la marca de grandes almacenes ingleses John Lewis no va a ser menos. Lo que parece ser una midlife crisis resulta ser un gesto muy solidario. Descúbrelo a continuación con The Beginner:

En el Reino Unido, los anuncios de John Lewis suelen ser los más esperados durante la época de Navidad. La marca tiene por costumbre apostar por campañas muy emotivas, y en este caso, por una dinámica familiar diferente de lo habitual.

Espíritu de superación

En el anuncio podemos ver cómo un adulto intenta aprender a usar la tabla de skate, ya sea en el parque de patinaje o en la calle. También le vemos viendo videos de skate en la oficina con la intención de mejorar. Poco a poco, vamos observando que hay resultados, y después de muchas caídas y burlas, va mejorando. ¿Pero por qué está tan empeñado en aprender a patinar y someterse a tanto esfuerzo?

Lo que parece ser una fase de experimentación de un adulto de mediana edad, se revela con un final muy emotivo: la acogida de una niña que está bajo los cuidados de la asistencia social por problemas familiares. Ellie, al igual que 108.000 niños más, se encuentran en esta situación en el Reino Unido. En el anuncio, ella trae su propia tabla de skate y conecta ya desde el primer encuentro con lo que será su nueva familia. 

La campaña no pretende ser una llamada a la acción o a la compra, sino más bien un anuncio informativo y, ante todo, solidario. Por esta razón, John Lewis colabora con Action for Children y Who Cares? Scotland. Además, está previsto que done el 25% de cada venta de su colección inspirada en el spot (el monopatín, el oso bajo el árbol, etc.) a Building Happier Futures.

Pequeños grandes detalles

¿Reconoces la banda sonora? Si tienes 40 años problablemente sí. Se trata de una versión ralentizada de «All the Small Things» de Blink-182, una banda pop-punk muy exitosa en los años 90. 

En el apartado técnico, destaca la mirada «minimalista» de la agencia de creativos Adam & Eve/DDB, la brillante dirección de Steve Rogers, y la cuidada producción de Biscuit.

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El anuncio navideño que alude a la crisis energética

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Erste Group, uno de los mayores proveedores de servicios financieros de Europa Central y Oriental, lanza por quinto año consecutivo su anuncio navideño bellamente animado: #believeinchristmas.  

Mientras los habitantes de un pueblo se preparan para las fiestas, un misterioso personaje hace todo lo posible para estropearles la celebración navideña: les corta el subministro eléctrico y de gas, les vacía el depósito de combustible de los coches… En lugar de desesperarse, los habitantes del pueblo se unen más a pesar de las adversidades que se les presenta, para así tener una celebración conjunta.

Mario Stadlerm, el Director de Gestión de Marca y Comunicación de Grupo Erste, afirma que el anuncio de este año se dirige a todos nosotros y a los numerosos retos a los que nos enfrentamos como sociedad en estos momentos, sobre todo, ante la emergencia climática y energética. En los tiempos de necesidad, las comunidades con lazos fuertes son aquellas en las que la gente se ayuda mutuamente, y esto es justo lo que quieren mostrar en esta campaña. 

El anuncio, con una estética que se inspira en los clásicos de animación de Tim Burton, ha sido coproducido a nivel internacional, ya que ha contado con la colaboración de la productora berlinesa Zauberberg Productions, la productora madrileña Able & Baker y la agencia creativa vienesa Jung von Matt DONAU. La agencia creativa ha participado en la creación de todos sus anteriores anuncios navideños, que, en conjunto, acumulan 225 millones de reproducciones y más de 25 reconocimientos dentro de la industria publicitaria.

El director creativo de la agencia, Werner Singer, señala que en la campaña de este año las fiestas no se caracterizan por el confort de un calefactor. Werner afirma que la crisis energética nos ha afectado a todos, pero el spot nos hace recordar que la Navidad es una auténtica celebración del amor.

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Los mundos imaginarios de Liam Young

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El artista australiano Liam Young presenta sus trabajos más destacados en la exposición “Liam Young. Construir mundos”. Esta se podrá visitar de manera gratuita hasta el 20 de noviembre en el Espacio Fundación Telefónica de Madrid. Obras como Where the City Can’t See, Planet City o In the Robot Skies son algunas de las proyecciones que se podrán disfrutar. Todas ellas irán acompañadas de fotografías, maquetas, vestuarios y otros materiales adicionales que contextualicen cada trabajo. Además, también presentará The Great Endeavor y Emissary, dos de sus nuevos proyectos creados especialmente para la ocasión.

¿Quién es Liam Young?

Liam Young es un director de cine y arquitecto que sitúa su trabajo dentro de los campos de la ficción y el diseño crítico. Young pretende que sus producciones funcionen como inspiración para la búsqueda de alternativas a los nuevos retos que se nos presentan, y así poder anticiparnos a las problemáticas medioambientales y sociales del mañana. Mediante la representación de las ciudades del futuro, explora los límites entre la ficción, la narración y el diseño, y abre el debate sobre el rol que tiene la arquitectura en la sociedad.

Esta visión de las ciudades, donde se representa a la perfección el claro impacto de la tecnología, le ha merecido al autor el reconocimiento internacional de su trabajo. Con un sello muy personal, sus producciones se caracterizan por mostrar unas imágenes increíbles, captadas y/o realizadas mediante drones, escáneres láser y otras técnicas digitales.

La exposición es una muestra del poder transformador de la tecnología. En cada una de las videoinstalaciones, se hace patente cómo esta puede incidir en la sociedad y su capacidad de redefinir el concepto de ciudad. Aunque las producciones son ficción, estas son el resultado de un gran trabajo de investigación en los campos del diseño y los estudios del futuro en colaboración con prestigiosos expertos.

¿Muy interesante, no? Para seguir descubriendo artistas como Liam Young, no dudes en pasarte por nuestro Blog. Además, también nos puedes seguir en todas nuestras redes sociales (Instagram, Facebook, Twitter y LinkedIn).

Pintar con luz: las creaciones de DARIUSTWIN

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«Fiat lux», que significa “que haya luz” en latín, es el último trabajo de DARIUSTWIN, una compañía de California conocida por usar la técnica del fisiograma o light painting. Aquí puedes ver cómo han pintado este maravilloso corto usando solo la luz:

En el corto podemos observar cómo un esqueleto con sombrero de vaquero viaja por California de noche a través de portales mágicos, recolectando gemas bajo las estrellas, y acompañado por la música y sonido de Scott Doherty.

Aunque el resultado final “solo” es un video de 1:20, DARIUSTWIN cuenta que tardaron unos 3 meses en finalizarlo, y que para cada escena necesitaron unas 3/4 horas de realización.

“Fiat Lux» no solo es un corto, sino también una colección NFT creada con stop motion. Para ser exactos, se trata de un proyecto que contiene 686 fotografías de pintura de luz distribuidas en 11 escenas. Cada una de estas fotografías de pintura con luz de larga exposición está sacada directamente de la cámara, y todas ellas se han ido ordenando una al lado de la otra para crear una sensación de movimiento.

La empresa DARIUSTWIN y su técnica

DARIUSTWIN fue fundada por el artista Darren Pearson, y está especializada en stop motion, animación, light painting y fotografía. Para crear los dibujos, utilizan una herramienta de pintura con luz especialmente diseñada llamada «Night Writer», así como fotografías de larga exposición.

El fisiograma, popularmente conocido como light painting o pintura de luz, es una técnica que se creó en 1889. Constituye el registro fotográfico de la trayectoria de una fuente luminosa en movimiento en un ambiente con poca luz. 

La fotografía con pintura de luz usa luces de mano para pintar y/o dibujar una escena, mientras el obturador de una cámara se deja abierto durante una larga exposición. Al disparar en un lugar oscuro y usar la exposición larga (por ejemplo, una exposición de 30 segundos), los destellos, las rayas, los colores, las texturas y los rastros de luz, creados por las herramientas y modificadores de pintura de luz, se pueden capturar sin el uso de la postproducción. Los tiempos de exposición de las pinturas de luz pueden variar desde unos pocos segundos hasta una hora o más.

Para los profesionales: en los comentarios del Instagram de DARIUSTWIN, se especifica que para ese proyecto en concreto usaron una apertura de f.8, un valor ISO 800, y 1,5 minutos de tiempo de exposición.

Si te ha gustado, aquí te dejamos otro de sus últimos proyectos. Se trata de “Midnight Martian”, relacionado con el mundo extraterrestre:

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Una cuenta de TikTok descubre la magia del CGI

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Las imágenes generadas por computadora o computer generated imagery (CGI) juegan un papel muy importante en la realización de muchas películas de Hollywood y otras grandes producciones audiovisuales. Mientras como espectadores solo vemos el resultado final, detrás hay un gran trabajo para crear cada una de las escenas que finalmente vemos en la gran pantalla.

La cuenta de TikTok @oili95 nos trae una recopilación de distintas producciones, donde podemos observar el antes y el después del uso del CGI. Los cambios son increíbles, como en esta escena que os dejamos a continuación, donde todo el fondo del rascacielos donde se encuentra Loki es creado mediante CGI.

@oili95

Before and after video editing | behind the scene

♬ Disaster – KSLV Noh

Además de escenarios, también es común la creación de personajes o criaturas mediante CGI, como en esta escena de Alicia en el país de las maravillas (2010) de Tim Burton.

@oili95

Behind the scenes

♬ son original – OILI95

Un caso similar es la siguiente escena de La vida de Pi (2012) de Ang Lee. Aquí podemos ver que la edición es imprescindible para entender el contexto de la película.

@oili95

♬ son original – OILI95

Behind the scenes de las tomas más increíbles

Pero no todo es CGI, la cuenta también comparte cómo se gravaron algunas escenas que tienen planos increíbles. Como por ejemplo el siguiente travelling shot de la película Orígenes (2014) de Mike Cahill, donde vemos cómo la cámara no para de moverse para que los detalles de la imagen cambien constantemente.

@oili95

Before and after video editing

♬ son original – OILI95

O esta escena de la serie Kidding (2018), donde todo el escenario no para de cambiar y es grabado en una única toma. ¡Es impresionante!

@oili95

The synchronization of movements is incredible

♬ son original – OILI95

Los videojuegos no son la excepción

También los videojuegos usan técnicas de croma junto a la captura de movimiento o motion tracking. Esto permite integrar las expresiones faciales o los movimientos del cuerpo de una persona real a la escena virtual, dándole a esta más realismo. Este cutscene del videojuego Uncharted 4 es una muestra.

@oili95

Making a Cutscene with motion capture

♬ son original – OILI95

Finalmente, también nos permite ver cómo se han grabado algunas escenas de acción, y si realmente eran escenas de alto riesgo como parecían ser en pantalla. Un ejemplo es esta de Tyler Rake (2020), de Sam Hargrave.

@oili95

stunt scene #behindthescenes

♬ Under the influence audio by jagi.bts – Yasmin

O esta escena de Skyscraper (2018), de ​​Rawson Marshall Thurber.

@oili95

Skyscraper (2018) . #skyscraper #behindthescenes

♬ Billie Eilish and Khalid Lovely Hopex Remix – Isaac Hernandez

En esta cuenta de TikTok, se consigue poner en valor todo el trabajo que hay detrás de cámaras, y es que podemos ver que en muchas escenas de las producciones más grandes, sean películas o videojuegos, la magia aparece después de grabar.

¿Te ha gustado esta excursión al behind the scenes de las superproducciones audiovisuales/digitales? Si no quieres perderte más noticias de este tipo, así como otras novedades del mundo creativo, pásate por nuestro Blog o nuestras redes sociales (Instagram, Facebook, Twitter y LinkedIn).

Día C, vuelve la presencialidad a los premios más creativos

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El evento, organizado por Club de Creativos (c de c) y coorganizado por Meta, volverá a la presencialidad después de dos ediciones afectadas por las restricciones de la pandemia. El Día C, reunirá a la industria del marketing y la comunicación los días 20 y 21 de mayo en San Sebastián.

Durante estas dos jornadas se abordará el poder de creación desde distintas perspectivas, planteando temas como el crear sin censura con Miss Beige, crear conciencia con Boaz Paldi y Nikolaj Coster, crear historias con Domingo Corral o crear mal con Ricardo Llavador. Podéis consultar el programa completo aquí.

La capacidad transformadora de la creatividad

Bajo el lema: «Poder crear: el mejor trabajo del mundo», industria y creativos pondrán en valor la creatividad, una característica esencial de la profesión que, además, tiene un efecto transformador en la sociedad. 

La XIX edición del Día C culminará con la gala de entrega de los Premios Nacionales a la Creatividad, el c de c de Honor para Concha Wert -directora general del cdec- y el premio Juan Mariano Mancebo al talento joven. Además se anunciarán a los ganadores de los premios organizados por Meta: los Instawards y la competición Hack for Good.

Las novedades del Día C

Este año, los galardonados obtendrán un NFT del premio gracias a Non-Fungible Trophies. Así que por primera vez, además de un trofeo físico, obtendrán un certificado digital que así lo acredite. Otra de las novedades tecnológicas viene de la mano de Meta y sus Oculus Quest, que van a permitir que los asistentes experimenten la realidad virtual. 

Los asistentes también podrán visitar la exposición #OVER en el Kursaal, que reflexiona sobre los estereotipos de la mujer en la publicidad y cómo acabar con ellos. Además, también van a poder observar las piezas gráficas presentadas a los premios de este año.

Día C

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El diseño 3D de la mano de Grand Chamaco

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«Veo con los dos ojos, pero prefiero el izquierdo para trabajar el hemisferio derecho«. Con esta declaración se define el artista de diseño 3D Grand Chamaco y su peculiar trabajo.

Chamaco es un diseñador anónimo de algún lugar de México. Desde sus inicios, sus trabajos tienen una estética muy característica y destacan por sus paletas de colores extravagantes y llamativas, trabajadas con herramientas de diseño 3D. Aquí os dejamos algunos de sus diseños.

Sus orígenes

Cuando Chamaco tenía 25 años, abrió una escuela de ilustración y pintura en su ciudad natal para impartir su conocimientos a personas que quisieran adentrarse en el mundo de la ilustración. La escuela fue un absoluto fracaso por la poca concurrencia de alumnos, así que decidió cerrarla y montar un taller en una casa de campo, donde siguió estudiando para perfeccionar sus conocimientos y estilo personal.

Cuando internet llegó a su pueblo, Grand empezó a compartir sus trabajos en redes sociales. Esto propició que grandes marcas en la industria del diseño le contrataran. Sin ir más lejos, Adobe le eligió com representante de la industria creativa contemporánea.

Fuente de inspiración

El ilustrador asombra por su técnica y por su humor en sus trabajos. Su arte no solo refleja el gran talento que el artista tiene, sino también su origen mexicano, ya que representa a su país y sus costumbres en muchos de ellos, a través de Catrinas y calaveras.

Pero no solo representa su cultura, sino también otros elementos cotidianos, como cactus, animales, personas… También se observa la gran influencia que el cine tiene en Chamaco -más concretamente el género de terror-, y esto se evidencia en algunos de los personajes que construye, que van desde Chucky, el muñeco diabólico, hasta Batman y sus calzoncillos.

Sin ninguna duda, lo que más destaca de su estilo son sus líneas gruesas, los modelados 3D, los colores vivos y las facciones de los protagonistas de sus creaciones artísticas. Chamaco crea unos personajes y objetos que cobran vida, y que se convierten en mundanos gracias a una técnica realmente muy pulida.

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“Arcadia”: NFT y cortometraje de Andrés Reisinger

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El director y artista de computer graphics de Barcelona, Andrés Reisinger, se unió al productor André Allen Anjos, mejor conocido como RAC, y la poeta británica Arch Haedes para producir este corto titulado «Arcadia», que además de impresionar por su estética, también se vendió como NFT.

Sobre el artista

El artista, nacido en Argentina, define este cortometraje como una película gráfica narrada que recorre nuestra crisis existencial colectiva a lo largo del siglo XXI. Su estilo, reconocible al instante, está repleto de paisajes de ensueño.

«Arcadia» consta de cinco capítulos, cada uno de los cuales rinde homenaje a un filósofo en particular, al mismo tiempo que cita a docenas de poetas, artistas, escritores y pensadores que han dado forma a la psicología y la cultura contemporáneas.

El corto explora nuestra soledad, alienación, ansiedad y depresión, todo alimentado por nuestras siempre presentes ansias de consumismo cultural. Nos insta a superar este nihilismo refinando nuestra individualidad en la soledad y la naturaleza, y nos invita a adoptar un talante de rebeldía y cuestionamiento que busca generar cambios en la sociedad. En el plano individual, nos alienta a dar sentido a nuestra lucha a través de la pasión, autopropiedad, belleza y arte.

El poema más caro del mundo

La pieza no solo se ha creado como película, sino también como un Token No Fungible (NFT). Por este motivo, ha sido etiquetado como el «poema individual más caro del mundo», ya que se subastó en la «Christie’s NYC Evening Sale» por más de medio millón de dólares (en concreto por $525.000).

Los NFT (a veces pronunicados como «nifties»), cuya popularidad se ha disparado en los últimos meses, son activos digitales que registran la propiedad. Comprar un NFT único en su tipo significa adquirir el registro de propiedad imborrable de esa pieza de trabajo, su acceso y el derecho a venderla.

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La adicción digital en una animación de Hannah Sun

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Una nueva animación minimalista de la diseñadora y animadora neoyorquina Hannah Sun explora y muestra la gravedad de la adicción digital. El corto, titulado “Blip”, analiza los comportamientos peligrosos que adoptamos al entrar, con nuestros dispositivos, en el mundo digital.

La animación

La animación muestra con un estilo exagerado el aislamiento y la distracción que muchas personas sufren hoy en día con su uso intensivo de la tecnología digital, ya sea por responder mensajes nuevos, estar siempre al corriente de lo nuevo en las redes sociales, “chequear” los correos electrónicos… Sea como sea, entrando en las profundidades del internet.

Aunque la animación 2D refleje el tema de la adicción digital de una forma un tanto «inocente» y colorista, es un tema serio que aumenta año tras año, y más especialmente durante el primer confinamiento de la pandemia.

El corto destaca porque sumerge al espectador directamente en su entorno. Horas tras horas mirando a la pantalla, se encuentra con un paisaje sonoro con interminables pings, campanas y otros tonos de notificación. Eso, mezclado con animaciones de diferentes colores, hace que el espectador entienda directamente sobre qué trata el corto sin tener que buscar información adicional. Además, la pieza está acompañada por la música de Joe Basile. Esta, junto con los diferentes sonidos, han sido generados por ordenador.

Hannah Hanqing Sun

Hannah Sun es una artista, con sede en Nueva York, que se dedica a idear y crear hermosos gráficos. Estos gráficos destacan por tener un estilo muy minimalista y por el uso muy cuidado del color. Si quieres saber más sobre esta artista que trabaja con motion graphics, diseño gráfico, software y programación, te dejamos su página de Instagram aquí.

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El metaverso, un nuevo universo

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El metaverso ya es una realidad, no es solo un universo virtual sacado de una película de ciencia-ficción. Pero, ¿qué es en nuestra tierra este llamado metaverso? Se puede resumir como un mundo virtual que amplia el mundo físico en digital. Se conecta a este a través de dispositivos que nos hacen estar dentro de esta realidad, interactuando con todos sus elementos.

Llega a parecerse al mundo de los videojuegos, pero este mundo no está pensado solo para jugar sino también para aspectos cotidianos como trabajar, ir de compras, asistir a conciertos… Nos permitirá compartir momentos y espacios con personas que no están físicamente.

Sin ninguna duda, se necesitan dispositvos VR para poder sumergirnos en este mundo digital. También es muy importante la interoperabilidad, que es la capacidad de que dos o más sistemas permitan el intercambio de información entre ellos, compartiendo el mismo espacio digital. La idea es que todos los sistemas estén conectados para que haya una movilidad libre y sin restricciones.

Avances necesarios

Para que este metaverso sea una realidad, debe haber un gran salto tecnológico: gafas de realidad virtual más ligeras y con mayor precisión en los detalles, sensores de movimiento más precisos, permisión de interacciones que no tenemos actualmente. A parte, se necesitan servidores que puedan almacenar más información y mantener millones de personas conectadas simultáneamente.

Mujer Con Ordenador Portátil Con Auriculares Vr

Espacios donde se usará el metaverso

Se podrá usar como desarrollo de espacios industriales virtuales. Se permitirá replicar una fábrica real para hacer pruebas de todo tipo de máquinas y sistemas a través de gemelos digitales. De esa forma, se detectarán posibles fallos y mejoras antes de construirlo de forma física y probarlo en el mundo real.

Algunas de las actividades que se podrán hacer en este metaverso son: jugar a videojuegos en línea con tus amigos en realidad aumentada, reuniones de trabajo a través de avatares personales, conciertos a distancia, hacer ejercicio con un entrenador personal, venta de artículos físicos qué serán autenticados mediante un vale digital o NFT (Non Fungible Token)… todo aquello que se pueda imaginar, ya que la realidad virtual no conoce ni de espacios ni de límites.

El metaverso, a parte de tener en cuenta el apartado laboral y social, tiene en cuenta la estética de los objetos y de las personas para que la experiencia sea lo más inmersiva posible.

En conclusión, el metaverso es una copia del mundo real al virtual. No intenta ser un mundo de ilusión e imaginación, sino una especie de realidad alternativa donde podamos hacer las actividades que hacemos en nuestro día a día pero sin salir de casa y, ni siquiera, de nuestras habitaciones.

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