Spots publicitarios… desde el salón de casa

Grace Wells (@gracewellsphoto) es una joven norteamericana que durante la pandemia comenzó con lo que ella pensaba que sería tan solo un pasatiempo. Este se centraba en la fotografía, la grabación de vídeos y la creación de contenido en redes sociales. Dicho hobby le ha permitido a día de hoy trabajar de manera autodidacta en un ámbito creativo.

Mucha gente hoy en día se dedica, o intenta dedicarse, a las redes sociales. Son pocos los que lo consiguen, pero Grace Wells puede afirmar que ella es una de ellos. Crear contenido en redes sociales le ha permitido poder trabajar a tiempo completo en el ámbito de la producción comercial. Con 2.8 millones de seguidores en TikTok, 805 mil en Instagram, y 17 mil en YouTube, es toda una figura en este mundillo, y ha ganado fama gracias a sus habilidades audiovisuales y dando rienda suelta a su libertad creativa.

El tenedor, el causante de todo

Todo comenzó con un spot para un tenedor. Curioso, ¿verdad? Eso es justo lo que pensaron los usuarios, pero este fue el vídeo que comenzó la serie ‘Making epic commercials for random objects‘. El objetivo principal de Grace no era comenzar una serie, pero la respuesta al vídeo fue tan sorprendente que se animó a llevarla a cabo. Esta se basa en un conjunto de videos, anuncios falsos para objetos aleatorios, como una bolsa de tierra, papel higiénico, un clip de papel o incluso un huevo. 

Tras publicar el video “Le fork”, donde publicita un tenedor, en su sección de comentarios se acumularon sugerencias por parte de usuarios o nuevos seguidores. Para continuar la serie, decidió elegir cosas que a la gente le apetecía ver, y comenzó a responder a comentarios con nuevos spots.

@gracewellsphoto

watch till the end for the final vid! // what object should i try next?? #videomagic #filmmaker #foryoupage #fyp #videography #photographybts #fork

♬ ROCKSTAR – DaBaby, Roddy Ricch

Marcas y contacto con profesionales

El primer acuerdo que consiguió con una marca fue en septiembre de 2021, después de publicar un spot sobre papel higiénico. Usó una marca específica en este, y dio la casualidad de que el vídeo llegó hasta ellos. Acto seguido le pidieron que les hiciera un anuncio. Una vez publicado, otras marcas comenzaron a contactar con ella

@gracewellsphoto

this idea was the 💩 // watch till the end for the final vid and don’t forget to follow me on ig! 📸 #videomagic #videographer #fyp #epiccommercials

♬ ROCKSTAR – DaBaby, Roddy Ricch

En 2022, Tool of North America, una productora con sede en Los Ángeles, la fichó. La incluyeron en un programa diseñado para conectar a creadores independientes que trabajan en redes sociales con medios tradicionales. Grandes marcas comienzan a dirigir gran parte de sus presupuestos de marketing hacia redes sociales, cosa que les ayuda a impulsar su presencia en otros ámbitos. El potencial de audiencia es muy alto, y los costes de inversión mucho más asequibles. De esta manera, se crea la necesidad de personas que entiendan la mejor manera de moverse por estos espacios y conseguir los objetivos y necesidades previstas.

Creatividad, y manos a la obra

En cuanto a los decorados y sets, comenzó grabando en su propia habitación o salón. Ahora tiene un estudio en el que puede causar más cambios y almacenar más muebles. Wells genera decorados muy realistas, usando diversos productos y muebles, a veces improvisando o usando otros objetos aleatorios. 

La flexibilidad de la producción le permite trabajar de forma independiente, pero encuentra varios límites a esta independencia. El principal es el problema de personal. Trabaja sola, y lo hace todo ella misma: la edición, la iluminación, la fotografía, la construcción de sets… It’s a one woman show. A veces en sus videos aparecen segundas personas, las cuales quizás actúan o ayudan a mover una cámara u objeto, pero la mayoría de los spots los produce sola. Por eso, lo que una empresa de producción tarda uno o dos días en hacer, Grace lo logra en unas semanas. 

Pero esto mismo es exactamente lo que hace su marca: su resiliencia y creatividad, y su capacidad de crear cosas por sí misma y no rendirse. Es todo un desafío, pero es gran parte de la razón por la que la gente se siente inspirada y su contenido gusta.

Pero, ¿de qué manera produce los vídeos?

El proceso de creación para cada vídeo es bastante largo. Emplea entre dos y cuatro semanas para cada anuncio, pero este tiempo puede variar dependiendo de la importancia de este. Se debe tener en cuenta si es un acuerdo con una marca, o la duración final que tendrá. 

En primer lugar planifica el vídeo, y crea el storyboard. En un vídeo de YouTube, Grace comenta que lo primero que hace al encarar un nuevo proyecto es elegir la música. Se inspira a partir de las diferentes melodías y notas, y juega un gran papel en el producto final. 

Una vez la visión está clara, se dedica a organizar los decorados o elementos añadidos que pueda necesitar. Esto puede implicar la construcción de sets, u otras actividades artísticas y creativas para adaptarse al proyecto. Por último, el rodaje y la edición son dos procesos que van bastante de la mano, y combinados estos procesos duran aproximadamente una semana.

Creadores con contenido parecido

Otros creadores similares son Daniel Schiffer y Austen Paul, pero su mayor audiencia se encuentra en YouTube.

Daniel es otro creador que filma anuncios en casa y se hizo popular gracias a ellos. Acumula 2,32 millones de seguidores en YouTube, y 90,3 mil en TikTok. La mayoría de su contenido se centra en la creación de productos audiovisuales, pero también comparte algunos vídeos sobre su vida. 

Austen hace videos más profesionales, pero sigue siendo del mismo estilo. Cuenta con 15,6 mil seguidores en TikTok, y 138 mil en YouTube. No solo se centra en grabar anuncios, si no que ofrece contenido que ayuda y enseña a otros usuarios a usar diferentes técnicas, materiales, o consejos. 

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«No hay segundo»: el lema de CUPRA Terramar

Ayrton Senna, piloto de automovilismo brasileño, dijo, “El segundo es el primero de los perdedores”. Esta frase, la cual instiga a la obsesión por conseguir la victoria, ha sido la fuente de inspiración de la nueva campaña de la marca CUPRA, para presentar su nuevo modelo, CUPRA Terramar. El lanzamiento fue el pasado 3 de septiembre, durante la 37º Copa de América, en Barcelona.

There is no second

El anuncio recibe el nombre “There is no second”, y es una frase que se habla repetidamente por los diversos personajes que aparecen. El spot contagia un espíritu de competitividad, de no rendirse y seguir adelante, y darlo todo de uno mismo hasta el final, hasta conseguir el objetivo: la victoria.

El video ha sido dirigido por el aclamado director catalán J.A. Bayona (Lo imposible (2012), Un monstruo viene a verme (2016), La sociedad de la nieve (2023)), y producido por la productora Roma. Tanto la creatividad como la visión cinematográfica de Bayona han sido aspectos fundamentales en su creación, y el resultado final es una obra digna de la gran pantalla.

Cabe destacar la presencia del mar, uno de los personajes principales del anuncio. Su aparición no es una sin más, hay una explicación de porqué esta superficie aparece repetidas veces. CUPRA fue patrocinador oficial de la America’s Cup, la competición de vela más prestigiosa del mundo. Asimismo, como se ha mencionado, es allí donde se lanzó y presentó tanto el anuncio como el nuevo modelo de la marca.

En el spot se utiliza la combinación de diversos estilos, como animación en la introducción, efectos especiales (CGI) en numerosos momentos, y material rodado original. La combinación de imágenes rápidas y contrastadas crea una sensación de motivación en el espectador, haciendo que este se encuentre en el borde de su asiento durante los dos minutos que dura el anuncio. Además, hay muchos paralelismos entre personas, el mar, y el diseño del coche. 

El rodaje del anuncio fue durante mismo año 2024, en junio, y se rodó en Barcelona (y alrededores) y en la Ciudad de la Luz, en Alicante.

Imágenes del rodaje de CUPRA Terramar. Fuente: ReasonWhy

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El legado de Satoshi Kon: metáforas visuales para cineastas modernos

Tradicionalmente, la animación se ha conocido como una herramienta empleada para el entretenimiento de los niños. Satoshi Kon, en su uso de esta técnica, fue capaz de contar historias extraordinarias que daban la vuelta a factores imposibles, y a menudo inculcando grandes reflexiones filosóficas del hombre con su representación infantil de la humanidad.

¿Quién fue Satoshi Kon?

Satoshi Kon fue un director, animador y escritor japonés que revolucionó no solo el mundo de la animación, también la manera en que muchos cineastas hacen uso de la narración. 

Como estudiante de universidad, comenzó a trabajar como artista de manga, y después de ganar el segundo premio en un concurso en la revista Young, tuvo la oportunidad de trabajar con Katushiro Otomo. Bajo su dirección, Kon escribió guiones y storyboards, en los cuales un tema recurrente en sus obras comenzó a tomar forma: la mezcla entre fantasía y realidad. Sus películas son conocidas por esta combinación, acompañada de otras temáticas oscuras que varían según la obra. 

Su enfoque errático contando historias, su fluidez imparcial en la edición, su fluctuación con la realidad y lo subliminal lo convirtieron en un maestro del surrealismo y la visión y espectáculo creativos.

Satoshi Kon. Fuente: Cultura Geek.

Uso de la narración

En las obras de Kon, la experiencia en el espacio y tiempo se vuelve subjetiva. Haciendo uso del hiperrealismo para conseguir que sus obras parecieran surrealistas, trataba de crear realidades excesivas, y jugaba con la idea de realidad y fantasía, empujando la línea entre lo real y lo falso. Creía que no se podía tener uno sin el otro. 

Este es uno de los grandes factores que diferencian a Kon de otros creadores y artistas japoneses: la manera en que empleaba su enfoque único de la narración visual. Permitía que la audiencia decidiese y diferenciase entre lo que era real y lo que no. 

Además, la mayoría de interacciones entre personajes no se explican a partir del guión o el diálogo, si no a través de un proceso de edición para conectar la información de manera visual.

Fotograma de la película Paprika (2006).

Transiciones y uso del montaje

Cuando visualices una obra de Kon, cuidado con despistarse. Con solo parpadear, puedes perderte que estás en una escena diferente. Al no gustarle la lentitud de los cambios de escena tradicionales, las transiciones en sus películas son instantáneas, haciendo uso de cortes que transforman una escena interesante en alucinante, sin dejar olvidada la conexión entre todas las imágenes

Algunas de las transiciones entre escenas que usaba son los match-cuts, intercalar períodos de tiempo que se reflejan entre sí, rebobinar, cruzar una línea hacia una nueva escena, uso de cuadros negros para saltar un corte, o usar objectos para borrar el cuadro. Estos match-cuts los combinaba con el empleo de espacios dinámicos, los cuales permiten que sus personajes sean más complejos que su ilustración en 2D.

Os dejamos un vídeo de Youtube que expone todas las transiciones usadas por Kon a lo largo de sus obras.

Obras e influencias

Cada una de sus obras es contextualmente simple y consta de un único hilo argumental que impulsa la producción mientras agrega lentamente capas sutiles a medida que avanza la película.

Estas son sus tres obras más conocidas, y las cuales siguen siendo una gran influencia persistente en el cine moderno. 

Magnetic Rose (1995)

Magnetic Rose (1995) es un corto de 40 minutos basado en el futuro. La tripulación de una nave espacial sigue una llamada de emergencia a lo que parece una estación espacial en ruinas. Dentro de esta, la realidad y la alucinación convergen. Su argumento no es lo más importante, si no que cabe destacar su gran influencia en la ciencia ficción moderna. Kon representa temáticas como el aislamiento, la soledad, la represión y la pérdida, los cuales han estado activamente presentes en otras obras, como Cowboy Bebop (1998), Firefly (2002), e incluso Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017). 

GIF de la película Magnetic Rose (1995). Fuente: Tumblr

Perfect Blue (1997)

Perfect Blue (1997) es una historia que describe el delirio y la cultura pop y de los ídolos. El director Darren Aronofsky compró los derechos de distribución del film para poder usar referencias sin tener problemas legales. Aunque lo niega rotundamente, no hay duda que la idea conceptual del thriller psicológico Black Swan (2010) es similar, por no decir casi igual, a Perfect Blue, tanto temática como narrativamente.

Además, en Requiem for a Dream (2000), la escena de la bañera es básicamente una réplica toma por toma de la que aparece en Perfect Blue. Un homenaje.

Similitudes entre Perfect Blue (1997) y Black Swan (2000).
Similitudes entre Perfect Blue (1997) y Requiem for a Dream (2000). Fuente: CBR

Paprika (2006)

Paprika (2006) difumina las líneas entre la realidad y la imaginación. Es el resultado de los esfuerzos de Kon en intentar que la gente piense sobre la manera en que definimos nuestras realidades. Tuvo un gran impacto en la creación de películas, como Inception (Christopher Nolan, 2010), la temática de la cual es muy similar a la de Paprika.

Similitudes entre Paprika (2006) y Inception (2010). Fuente: Tumblr

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Colores en pantalla: ¿conoces sus usos?

Los colores en el cine, o generalmente los colores en pantalla, se usan para transmitir un significado más profundo de la obra. Pueden usarse de muchas maneras: con fines estéticos, para mostrar emociones, identificar personajes, e incluso pueden llegar a ser un personaje principal de una historia. 

Los colores elevan escenas de la realidad, acompañando al guion, y ayudando a explicar aquello plasmado en pantalla. Eso sí, no hay reglas establecidas para usar cada color de una manera u otra. Es verdad que puede que estemos acostumbrados a usar colores específicos para situaciones específicas (por ejemplo, el rojo para el amor o el peligro), pero cada cineasta establece sus reglas para el uso del color, diferenciándose así del resto. Incluso si estamos acostumbrados a ver un color representado de una manera, no existe un sentimiento particular asociado a un color particular. Además, la psicología del color puede cambiar dependiendo del contexto de la audiencia.

Dicho esto, sí que hay combinaciones de colores y puestas en escena que suelen usarse más, aunque, como se ha mencionado, en cada film estos se usarán de una manera u otra. 

Complementarios

En primer lugar, tenemos los colores complementarios. Estos se encuentran en el extremo opuesto en la rueda de colores, y cuando se colocan uno junto al otro crean el contraste más potente para los dos tonos (visualmente gratificante/agradable). Se combinan para causar efecto y aumentar el contraste y la separación entre dos aspectos de una imagen. Agregar equilibrio a la imagen significa que nada interrumpe el flujo del color.

Transformers (Michael Bay, 2007)
La La Land (Damien Chazelle, 2016)

En el caso de Transformers (2007), se usan el azul y el naranja contrapuestos para destacar la presencia del coche y del piloto.

En cambio, en La La Land (2016), el rojo y el verde detrás de cada personaje representa una separación, y es un momento importante en la película. La La Land es un buen ejemplo del uso del color como parte del storytelling

Otra combinación de colores complementarios bastante usual es el morado y amarillo.

Monocromáticos

A continuación, encontramos los colores o tonos monocromáticos. En estas escenas, solamente se usan diferentes tonos del mismo color. 

Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve, 2017)
La Chimera (Alice Rohrwacher, 2023)

En Blade Runner 2049 (2017), el personaje se encuentra en el desierto, y se usa una combinación de naranjas y marrones para representar la sensación de calor, la arena, simplemente el espacio en el que se está.

En La Chimera (2023), los colores son tonos crudos y claros, contagiando una sensación de calma.

Análogos

Cuando se hace uso de colores análogos, en pantalla hay una combinación de colores vecinos en la rueda de color. No destaca nada por encima de lo demás, pero sí que hay colores que rompen con los patrones de color. La misma tonalidad de colores aporta profundidad y contrastes a la imagen.

Emma (Autumn de Wilde, 2020)
Barbie (Greta Gerwig, 2023)

Tanto en Emma (2020) como Barbie (2023), no hay ningún color que resalte por encima de los otros.

En la primera imagen, podemos ver tonos claros y poco llamativos, como verdes, amarillos, marrones, los cuales combinan entre ellos y se encuentran justo al lado en la rueda de colores.

En la segunda imagen, el color que predomina es el rosa, pero también hay tonos de azul, verde, morado, y pinceladas de amarillo. Aunque la mayoría del plano está cubierto de tonalidades rosas, ninguno de los objetos en otros colores destaca por encima de los otros, si no que hay un equilibrio y una estética específica.

Discordancia

Para hacer destacar algo en pantalla, un objeto, una persona, cualquier cosa que sea importante y que la audiencia deba ver, se usa la discordancia de colores. Esto ocurre cuando un color no pertenece a la combinación de colores, y lo único que hace es destacar sobre los otros. El objetivo es atraer la atención del público hacia un objeto particular en pantalla, ya que la audiencia se dará cuenta de cualquier cosa que no encaje. 

Amélie (Jean-Pierre Jeunet, 2001)
Scott Pilgrim vs. the World (Edgar Wright, 2010)

En el caso de Amélie (2001), la lámpara azul representa su tristeza en ese momento de la historia. Aunque por el contexto ya podemos entender de qué manera se siente la protagonista, ese objeto ayuda al público a leer el momento y las emociones sin necesidad de palabras. 

En  Scott Pilgrim vs. the World (2010), Ramona es quién destaca, gracias a su pelo de color y su ropa rosa. Sobre un fondo crudo, el rosa es llamativo, y nos ayuda a ver que el objetivo de Scott es hablar con ella.

Triádicos

Tres colores que se usan mucho en el cine son el amarillo, el rojo, y el azul. Si estos tres colores aparecen en pantalla al mismo tiempo, y son el foco principal de la escena, podemos decir que se ha usado la técnica de los colores triádicos. Estos son colores que se encuentran a la misma distancia en el círculo cromático, y dan un balance a la imagen

Superman: The Movie (Richard Donner, 1978)
Joker (Todd Philips, 2019)

De asociación

Cuando una paleta o color recurrente en una película representa un personaje o temática, se le llama color asociativo o de asociación.

Kill Bill (Quentin Tarantino, 2003)
The Grand Budapest Hotel (Wes Anderson, 2014)

En Kill Bill (2003), Beatrix “the Bride” (Uma Thurman) lleva un traje amarillo, y se asocia este color con el personaje. 

El color morado es el que se asocia al personaje de Ralph Fiennes, Monsieur Gustave, en The Grand Hotel Budapest (2014).

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IA y Arte: nuevas fronteras creativas

En los últimos años, la IA ha comenzado a jugar un papel sorprendente en el mundo del arte, abriendo nuevas posibilidades creativas y transformando la forma en que entendemos la creación artística.

Desde pétalos creados por algoritmos hasta la creación de efectos únicos para una serie, la IA está desafiando las fronteras entre lo humano y lo digital. En este artículo, exploraremos cómo funciona el arte generado por la Inteligencia Artificial y dos de las artistas que más nos has gustado, y que están utilizando esta tecnología para redefinir lo que es posible.

Sarah Meyohas – Cloud of Petals

La inteligencia artificial puede servir para crear cosas únicas a partir de cosas que ya existen. Sarah Mehoyas es una artista multimedia conocida por su enfoque innovador, donde combina tecnología y arte. Esto es lo que ha hecho en este proyecto, combinar lo natural con lo artificial para crear pétalos únicos.

Para el proyecto “Cloud of Petals” se necesitaron 100.000 pétalos de rosa. Con un total de 16 fotógrafos y Mehoyas coordinándolo, se escogieron, abrieron, fotografiaron y digitalizaron todos estos pétalos. Es la mente humana la que senta las bases. A partir de todo ese conjunto de imágenes y datos masivos, se diseña un algoritmo de inteligencia artificial que permite crear de la nada pétalos totalmente únicos.

En este video se puede ver el resultado de la generación de estos pétalos totalmente singulares y que durarán para siempre. Consiguiendo así cuestionar la relación entre la belleza natural y la artificial creada por tecnología.

Alejandra G. López – La Mesías

«La Mesías» es una serie creada por Javier Ambrossi y Javier Calvo que ha conseguido abrirse paso como una de las mejores series españolas de los últimos años. Ha conseguido dejar huella en el panorama audiovisuales gracias al gran tándem que ha generado su narrativa y estética.

Una de las escenas más comentadas de la serie se produce cuando una de las protagonistas se encuentra en una rave y consume alucinógenos. Aquí es cuando entra en escena la artista Alejandra G. López, que ha sido una figura clave a la hora de conseguir ese equilibrio.

A través del arte y la inteligencia artificial, esta artista ha conseguido representar a la perfección y de una forma totalmente novedosa, las alucinaciones que sufre el personaje y que le recuerdan los traumas infantiles que sufre, logrando potenciar la emotividad y angustia que sufre en ese momento.

En una charla durante The AI Revolution 2024, Alejandra se define como una artista multidisciplinar y que acostumbra a trabajar mucho con imaginarios surrealistas. En ella, también contaba un poco como se llevó a cabo su trabajo en la serie. Los modelos que se utilizaron para transformar escenas ya grabadas proporcionaron capas de creatividad y distorsión visual.

Se centró en crear efectos alucinatorios que reflejan las experiencias subjetivas de los personajes, añadiendo intensidad a la trama principal de la serie que explora la oscuridad y el fanatismo religioso en el contexto familiar. La aplicación de inteligencia artificial ayudó a acentuar las metáforas visuales que juegan un papel importante en la serie.

También destacó la necesidad de la planificación y la creatividad en el proceso artístico, en lo necesario que es contar con tiempo para integrar de manera efectiva la IA en la escena, y aprovechar los errores de esta para crear efectos únicos.

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Glitch Art: la estética del error

El Glitch Art es un estilo artístico que explora la estética del error, es decir, la corrupción intencionada de archivos digitales, como imágenes, videos, o sonidos, con una finalidad artística.

Se originó en la década de 1990 con el auge de la tecnología digital y ha crecido como una forma de arte contemporáneo que celebra lo caótico y que ha acabado siendo de lo más mainstream. En lugar de corregir los problemas, se utilizan como fuente estética.

Características del Glitch Art

El error es el componente central de este estilo. Puede ser un fallo visual, un error sonoro o una distorsión que altera la percepción original de una obra digital, pero con la diferencia que estos errores son intencionados y se producen manipulando archivos.

Frente a la perfección que suelen buscar las herramientas digitales, el Glitch Art pone en valor lo imperfecto. Las distorsiones visuales, como los píxeles fuera de lugar, los colores distorsionados o las secuencias de vídeo fragmentadas, son una declaración estética que subraya la vulnerabilidad de los sistemas tecnológicos. Los artistas intervienen en estos archivos de forma consciente para corromperlos.

Year of the Glitch – Phillip David Stearns

Rosa Menkman: la madre del Glitch

Rosa Menkman es una figura clave en el mundo del Glitch Art y se ha destacado no solo como artista, sino también como teórica. Su importancia radica no solo en sus creaciones visuales, sino también en su investigación y reflexión sobre la estética del error. Ha jugado un papel crucial en legitimar y expandir el conocimiento sobre este género, que antes era considerado más un fenómeno accidental que una forma artística consciente.

En sus obras, se especializa en la manipulación de lo que llama «ruido visual», explorando cómo los errores pueden crear experiencias estéticas únicas. Utiliza técnicas como la alteración de codecs de video, la intervención en señales analógicas y la manipulación de algoritmos para crear obras que desafían la percepción de lo que debería ser una imagen perfecta.

Además, su ensayo «The Glitch Moment(um)» (2011) explora cómo los errores tecnológicos pueden ser interpretados como intervenciones artísticas y cómo estos errores nos invitan a reflexionar sobre las imperfecciones de los sistemas digitales. Esto estableció una base académica para el estudio del Glitch Art como una forma legítima de expresión.

¿Únicamente arte?

El Glitch Art no solo tiene una dimensión estética, sino también una fuerte carga filosófica. En una era donde la tecnología tiende a buscar la perfección y la eficiencia, pone en valor el azar y lo no planificado. Esto puede verse como una crítica a la dependencia de la sociedad en la tecnología perfecta, recordando que incluso las máquinas pueden fallar.

Además, el glitch revela las fisuras en los sistemas digitales. Consigue subrayar la fragilidad de estos sistemas y muestra cómo el arte puede emerger de lo que, en otras circunstancias, sería visto como un fallo o un colapso.

A Vernacular of File Formats – Rosa Menkman

En resumen, el Glitch Art es un género de arte digital que abraza la imperfección y el caos, utilizando los fallos tecnológicos como algo creativo. Este arte no solo desafía las expectativas sobre la perfección digital, sino que también ofrece una crítica sobre la relación con la tecnología.

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Adaptaciones de videojuegos: ¿obras de arte o innecesarias?

A lo largo de los años, los videojuegos han dejado de ser simples pasatiempos para convertirse en un fenómeno cultural. Este éxito ha llevado a que muchas de las franquicias más populares den el salto a la pantalla, tanto en forma de películas como de series. 

Sin embargo, llevar una experiencia interactiva a un formato narrativo no siempre ha sido sencillo. Desde la extraña versión de acción real de Super Mario Bros en 1993, hasta los éxitos recientes como Arcane y The Last of Us, las adaptaciones de videojuegos han recorrido un largo camino con sus más y sus menos. 

En este artículo, exploraremos algunos de los ejemplos más notables de esta evolución, analizando cómo estos títulos han conseguido capturar (o no) la esencia de los juegos en los que se basan.

Super Mario Bros (1993)

La película de «Super Mario Bros» de 1993 es una adaptación “live action” del videojuego, protagonizada por Bob Hoskins (Mario) y John Leguizamo (Luigi). A diferencia de los juegos, presenta un tono más oscuro y distópico que en un principio podría haber sido interesante, pero lejos de gustar, con el tiempo ha sido considerada una de las peores adaptaciones que se han hecho. 

Fue un fracaso tanto por la crítica como por el público, además de conseguir una recaudación bastante baja en taquilla, lo que la hizo un fracaso en todos los sentidos.

Este sería uno de los primeros fiascos que nos irían dejando múltiples producciones a lo largo de los años.

Pero aunque la espera se haya hecho larga, no todo es malo. Después de casi más de 30 años con adaptaciones fracasadas (ya sea a nivel de crítica o de taquilla) llegarían dos series que cambiarían la visión que se tenían de las adaptaciones hasta ese momento.

Arcane (2021)

«Arcane» es una serie animada de Netflix basada en el universo de League of Legends, desarrollado por Riot Games. La serie narra la historia de las hermanas Vi y Jinx en las ciudades de Piltover y Zaun, dos territorios con fuertes diferencias sociales y tecnológicas. 

Aunque está ambientada en el mundo del videojuego, la serie profundiza en la narrativa, mostrando complejos conflictos entre clases y personajes, con una animación innovadora e hipnotizante y un gran desarrollo emocional de los personajes. Además, volvía a poner en valor la animación y las grandes posibilidades que esta técnica ofrece. A continuación os dejamos una de las escenas más espectaculares de la serie:

Arcane fue un éxito tanto entre los fanáticos del juego como entre el público general, recibiendo elogios por su calidad visual, guion y construcción de personajes. Esta serie cuenta con una nota media de 9 en IMDB y primera en el ranking de la lista de las mejores adaptaciones hechas sobre un videojuego.

Os dejamos el trailer de la primera temporada para ilustraros de lo que estamos hablando:

The Last of Us (2023)

Es imposible que en el último año no hayas escuchado hablar de la serie «The Last of Us«, basada en el aclamado videojuego de Naughty Dog, que fue lanzada en 2023 por HBO. Esta es una de las adaptaciones que los fans llevaban pidiendo desde hace muchos años por ser considerado uno de los mejores juegos de la historia

La adaptación fue fiel al material original y siguió con fidelidad la trama de Joel y Ellie, dos sobrevivientes en un mundo post apocalíptico asolado por una pandemia provocada por un hongo parásito que convierte a los humanos en criaturas peligrosas, pero también profundizó en la psicología de los personajes y en algunos eventos que en el juego solo se tocan superficialmente. 

La serie fue elogiada por su actuación, con Pedro Pascal y Bella Ramsey en los roles principales, así como por su desarrollo emocional y visualmente impresionante. Aunque la elección de la actriz principal fue muy criticada por el poco parecido que compartía con el personaje del videojuego por los fans. 

Minecraft (2025)

«Minecraft» es uno de los videojuegos más populares de todos los tiempos, pero aún no contaba con una adaptación cinematográfica lanzada oficialmente. Sin embargo, hace unos pocos días se lanzó el trailer de la que será la primera adaptación a la gran pantalla de este videojuego de la mano de Warner Bros, con un elenco bastante conocido, como Jason Momoa, Emma Myers, Jack Black o Danielle Brooks. 

Pero lejos de que eso haya despertado ilusión por el proyecto, este ha recibido más burlas que admiración en los seguidores, dejando una recepción de las primeras imágenes terrorífica. Actualmente, el trailer en el canal oficial de Warner Bros, lleva más de un millón y medio de “dislikes”. Queda por ver cómo lo tratará la taquilla y la crítica cuando se estrene, pero de momento no pinta bien…

Aquí os dejamos el trailer de la película para que juzguéis vosotros mismos:

Lo que está claro es que para hacer una buena adaptación es necesario tomarse el tiempo y el respeto para hacerlo de la mejor manera. Pero muchas veces las grandes franquicias priorizan lanzar un producto que ya sabe que tiene un público, antes que la calidad. 

Una buena adaptación tiene que ser comprensible tanto por parte de los seguidores del videojuego como por la gente en general,y aportar más. Si algo han demostrado todas las adaptaciones que se han hecho es que si le gusta a los fans del videojuego, gusta al público que no lo es, y viceversa.

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Rodrigo Cuevas: la reivindicación del arte folclórico

Del mismo modo que Rosalía consiguió que el flamenco llegara a lo más mainstream, Rodrigo Cuevas lo ha conseguido con el folclore asturiano. A través de la fusión de este género y la electrónica, ha despertado el interés nacional e internacional en un tipo de música y estética que solo conocían unos pocos.

En sus shows y videoclips se refleja ese estilo folclórico marcado por el arte, la interpretación y lo teatral. La reivindicación de la tradición es algo que solo puede ser efectiva a través del arte, y Rodrigo tira de esta batuta de una forma original y performativa, pero con un profundo respeto y conocimiento de lo que hace.

El siguiente videoclip es un buen ejemplo de ello. Presenta paisajes rurales de Asturias como escenario principal, junto con simbolismos culturales y un contraste entre lo tradicional y lo moderno. Su interpretación teatral y carismática añade una capa de expresión personal a la estética del vídeo, mientras que la cinematografía dinámica y el uso de colores vibrantes completan una experiencia visualmente inmersiva.

¿De dónde viene?

Rodrigo Cuevas, nacido en Oviedo, se define como un fenómeno de las artes escénicas, lo mismo que de la comunicación en su más vasto sentido. Cuenta con formación musical académica: grado medio de piano, estudios de tuba en el Conservatorio de Oviedo, además de tres años de Sonología en Barcelona.

Pero la verdadera revelación la tuvo cuando se fue a vivir a una pequeña aldea del interior de Galicia, donde entró en contacto con la música tradicional más pura gracias a sus vecinas pandereteiras.

Ahora ya ha sacado su tercer disco de estudio, acompañado del espectáculo “La Romería”, que se nutre de las canciones que conforman el álbum. Un álbum que está alimentado por el relato y el humor, por la crítica y la ironía, por la denuncia inteligente y la sensualidad marca de la casa, por el rigor y la belleza, por el uso naturalizado del asturiano y del español, con una puesta en escena que rompe con la imagen precedente, tanto en escena como en vestuario.

Fusión de Galicia y Asturias

La canción más popular de Rodrigo (casi cuatro millones de escuchas en Spotify) es una colaboración con Baiuca. Los dos se unen en una fusión única de estilos musicales y culturales, que combina la electrónica de vanguardia con elementos folclóricos gallegos y asturianos.

Baiuca, conocido por su innovador enfoque en la música electrónica gallega, se une a Rodrigo, revolucionando la música tradicional asturiana con su estilo extravagante y teatral, que se ve reflejado en el siguiente videoclip.

Como se puede ver, estos vídeos suelen presentar una rica paleta de colores, imágenes impactantes y una narrativa visual que celebra la cultura y la identidad asturianas. La estética de los videoclips de Cuevas a menudo juega con el contraste entre lo rural y lo urbano, lo tradicional y lo moderno, y eso es lo que lo hace único.

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El arte del Compositing

El mundo del compositing en el cine, la televisión y la producción digital es un reino de creatividad y habilidad técnica, donde la magia visual cobra vida. En este universo, la fusión de elementos visuales da lugar a escenas que despiertan la imaginación y llevan a los espectadores a nuevos horizontes de experiencia audiovisual.

¿En qué consiste?

Se trata de una técnica audiovisual que involucra la integración de múltiples elementos visuales para formar una única imagen o secuencia. Este proceso se lleva a cabo en la etapa de postproducción, y permite a los creadores transportar al espectador a mundos imaginarios, crear efectos especiales impactantes, y dar vida a escenarios que desafían los límites de la realidad.

Uno de los ejemplos destacados es el uso intensivo de esta técnica en la creación de timelapses a partir de fotografías. Mediante el compositing, también es posible combinar una secuencia de fotografías estáticas para crear la ilusión de movimiento y transformación en el tiempo. Este proceso permite capturar la belleza del cambio gradual en paisajes naturales, la evolución de ciudades, y el flujo de la vida cotidiana de una manera sorprendente y cautivadora, como en esta pieza titulada “Winter”, de Jamie Scott. Se trata de su tercera película timelapse, y contiene una cantidad significativa de compositing.

Compositing y Motion Graphics:

El compositing y el motion graphics son dos aspectos clave en la postproducción audiovisual. El primero se centra en combinar y ajustar elementos visuales existentes, como imágenes y vídeos, para crear una escena final. El segundo se enfoca en la creación de gráficos animados y efectos visuales dinámicos para comunicar información de manera visualmente atractiva. Mientras el compositing trabaja con la composición de imágenes estáticas o en movimiento, el motion graphics se centra más en la animación y la creación de elementos desde cero. A pesar de sus diferencias, ambos comparten el objetivo de generar un resultado atractivo para el espectador. A continuación, os dejamos un ejemplo de motion graphics que se asemeja sorprendentemente al trabajo de un compositing: «Time Tides» del director Hideki Inaba.

La destreza de la Inteligencia Artificial en crear «fluidez»

Además, en la era digital actual, la inteligencia artificial ha comenzado a desempeñar un papel cada vez más importante en la producción de medios audiovisuales. Los algoritmos de IA son capaces de generar vídeos con un nivel de detalle y realismo sorprendente, lo que a menudo se asocia con la técnica de compositing. Estos vídeos generados por IA a menudo presentan una fluidez y coherencia visual que recuerda al trabajo meticuloso realizado por los artistas de efectos visuales en el compositing tradicional.

En resumen, el compositing es una herramienta esencial que posibilita a los creadores materializar sus ideas y ofrecer a la audiencia experiencias visuales inmersivas. Tanto en la pantalla grande, como en la pequeña, esta técnica desempeña un papel fundamental en la producción de contenido audiovisual.

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De Boer y su «Extracción de movimiento»

Michiel de Boer, filmmaker, fotógrafo y artista de los Países Bajos, ha descubierto una innovadora técnica de edición de vídeo que él llama extracción de movimiento. En un vídeo tutorial, De Boer muestra cómo esta técnica se centra en aislar y destacar el movimiento en las escenas, a veces convirtiéndola en el único elemento visible. Utiliza su propio material para exhibir cómo se pueden captar desde movimientos obvios, hasta cambios sutiles y casi imperceptibles en diferentes escalas de tiempo:

¿Cómo se hace?

Como hemos podido ver, la técnica puede hacer que las ramas de los árboles destaquen al moverse con el viento, convertir partículas de polvo en resplandecientes rayos de luz, y descubrir insectos y animales camuflados en su entorno. Otros fenómenos, como la lluvia o la niebla elevándose, también se transforman en espectáculos visuales impactantes.

De Boer explica que la base matemática detrás de esta técnica es la autocorrelación, un concepto usado en la dinámica de fluidos para analizar turbulencias, lo que ayuda a entender fenómenos complejos. 

Sin embargo, aplicar esta técnica es bastante más sencillo. Basta con duplicar el video en una nueva capa, invertirlo y ajustar su opacidad al 50%. Luego, se ajusta la posición del video en el timeline según el efecto deseado: por ejemplo, moverlo un fotograma para destacar movimientos rápidos o, por ejemplo, cinco segundos para resaltar cambios más lentos y graduales. Para hacer los efectos más visibles, se pueden realzar las imágenes como se desee como, por ejemplo, con algunos filtros.

Un enfoque artístico

El vídeo tutorial no solo es una guía práctica sobre cómo usar esta técnica, sino que también funciona como una obra de arte visual. Entre los ejemplos mostrados, se incluye un ciervo camuflado que se desplaza a través de un bosque, y un hombre que camina sobre grava, cuyas pisadas iluminan las rocas desplazadas.

Este enfoque novedoso no solo es útil para editores de vídeo y artistas, sino que también ofrece a los espectadores la posibilidad de apreciar los patrones ocultos de movimiento en nuestro entorno. Michiel de Boer continúa explorando y expandiendo las posibilidades de esta técnica en su canal de YouTube, donde ofrece más experimentos educativos.

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