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El mundo microscópico captado por Thomas Blanchard

Posted on 25 de febrero de 2020 by

¿Alguna vez has visto cómo se desarrolla la vida de los insectos y las plantas a tamaño microscópico? Thomas Blanchard es un videoartista francés que ha conseguido captar estos fascinantes momentos. Y el resultado es «Evolution», un vídeo musical en time-lapse que ha dirigido para el dj y productor Aedan que muestra cómo los insectos corren, pican o atrapan a sus presas, así como las plantas florecen. En definitiva, un espectacular viaje a lo infinitamente pequeño que proporciona otra visión de los ciclos de la naturaleza.

El vídeo en cuestión es el resultado de semanas de filmación aislada con una gran cantidad de insectos y plantas, con el objetivo de comprender mejor sus interacciones y mecanismos de supervivencia. Sirviéndose de distintas fuentes de luz profundamente saturadas, Blanchard ilumina insectos con cuerpos brillantes, ojos gigantes o flores que se abren, aportando matices artísticos a la pieza.

Coproducido por Ekitaimacro, Thomas Blanchard Greenlight Films, Paul Mignot y Léa Morel, «Evolution» fue filmado en 8K con una cámara RED Helium con una lente macro Canon de 100 milímetros L y una lente macro MPE de 60 milímetros. La edición se hizo en 4K.

Las transformaciones surrealistas de Blanchard hipnotizan

A Thomas Blanchard le gusta mezclar distintas técnicas artísticas en sus proyectos. A través de formas, colores, pigmentos y texturas crea obras visuales muy envolventes e impactantes. Un buen ejemplo son sus vídeos experimentales de combinaciones líquidas, como The Colors of Feelings o Memories of Paintings. En ellos explora el significado y los efectos psicológicos de los colores de una manera poco convencional, utilizando pintura, aceite, miel y canela que mezcla y posteriormente filma.

Grandes nombres de la tecnología y la telecomunicación ya se han fijado en su espectacular trabajo. Así, Apple ha contado con su colaboración para el lanzamiento del iPhone X, además de Sony, Dolby Laboratories, LG, Huawei y Samsung, éste último para el lanzamiento del Galaxy Fold.

Si te gustan las creaciones de este artista, visita nuestro blog Qué se Cuece, donde encontrarás más posts sobre arte y time-lapse. Síguenos en nuestras redes sociales (Instagram, Twitter, Facebook y LinkedIn) para estar actualizado de todas nuestras publicaciones.

La restauración digital: Like o Dislike

Posted on 18 de febrero de 2020 by

La restauración es necesaria para preservar la cultura. Normalmente está asociada a obras de pintura, esculturas, edificios o cualquier otro tipo de superficie arquitectónica. ¿Pero y en el sector audiovisual? ¿Qué pasa en nuestro mundo con este tema? Si pensamos que los negativos se deterioran con el paso de las décadas llegando a desaparecer, esta cuestión es algo muy importante y necesario en la que pensar. Por este motivo cada vez hay más películas que pasan por un proceso de restauración digital.

La preservación de películas consiste en rescatar películas deterioradas y preservar las imágenes que contengan. En un sentido amplio, actualmente la conservación asegura que una película seguirá existiendo de forma lo más cercana posible con su versión original.

Restauración digital vs Grano de las películas

La restauración de películas en sus inicios se hacía artesanalmente, aunque se sigue haciendo actualmente. El maestro restaurador buscaba varias latas de la misma película. De cada una se extraían los mejores negativos y así se recombinaban materiales supervivientes. De esta manera, se creaba un máster de restauración final, que luego se duplicaba para ser o un negativo duplicado o un máster de grano fino positivo.

Hoy en día este proceso se ha mejorado. La restauración digital tiene varios pasos. Primero se busca el negativo que se encuentre en mejores condiciones. Luego se realiza el escaneo cuadro por cuadro del negativo para transferirlo a digital. Una vez digitalizado, se corrige el color, la imagen, el sonido, se elimina la suciedad y los arañazos.

Esto ya se puede hacer respetando el original o mejorándolo para que parezca una película actual. Este tema ha generado un debate entre expertos. Filtros como DNR (Digital noise reduction) o el uso de IA (Inteligencia Artificial) pueden ayudar a esta ardua tarea. No obstante, su uso y abuso pueden hacer que algunos fondos parezcan cuadros pintados con acuarela, que el agua resulte un líquido viscoso, etc. Un auténtico despropósito por culpa del empeño en hacer que las películas antiguas luzcan como una de Pixar. Señores, ¡las películas tienen grano!.

Estas herramientas generan resultados increíbles, aunque también pueden hacer que un actor pase de ser una persona a ser un muñeco de cera, o que las imágenes pierdan su esencia. Un ejemplo de mala restauración para nosotros seria la película Predator, donde la aplicación en exceso del filtro DNR destruye por completo la esencia del celuloide.

restauración digital sin DNR — Versión sin DNR

restauración digital con DNR — Versión con DNR

Mas recientemente, Denis Shiryaev ha encontrado una manera de aclarar las primeras películas de la historia y sus texturas granuladas. Gracias al uso de la IA transformó la histórica 1896 L’arrivée d’un train à La Ciotat (La llegada del tren) en una película que, de repente, revela rostros distintos de los pasajeros que se apresuran a subir al tren, además de detalles sobre la locomotora que de otro modo no se distinguían en la versión original. Según los expertos de Peta Pixel, Shiryaev utilizó por primera vez la IA Gigapixel de Topaz Lab para mejorar la resolución de la película a 4K, seguido por el DAIN de Google, que utilizó para crear y agregar cuadros al archivo original, llevándolo a 60 cuadros por segundo.

Aunque no todo en el mundo de la restauración digital es un espanto. The Criterion Collection, empresa con 35 años de experiencia, se encarga de distribuir películas a domicilio, pero no cualquier cine, sino toda obra que consideren relevante para el mundo cinematográfico. Pero sin duda lo que más destaca de The Criterion es su proceso de restauración de películas, tanto a nivel visual como de audio. Son de tan alta calidad que los cinéfilos la consideran prácticamente como la versión final de la película.

En resumen, como dice el título de la entrada, Like o Dislike en el uso de la restauración digital, nosotros, como habréis notado, creemos que pierde cierta magia.

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‘Klaus’, la película animada revelación del año

Posted on 12 de febrero de 2020 by

El pasado domingo tuvo lugar otra edición de los premios Oscar, donde el largometraje de animación español ‘Klaus’ optaba a una estatuilla a Mejor Película en su categoría. Pero el premio se lo arrebató ‘Toy Story 4’, de Pixar. No pudo ser, esta vez tampoco. Ya en 2010, otra película de animación española también estuvo nominada, ‘Chico & Rita’, de Fernando Trueba y Javier Mariscal. Pero tampoco pudo hacerse con el galardón.

Hace una semana, eso sí, ‘Klaus’ ganó el BAFTA, después de haber arrasado en los Annie Awards con siete premios, incluidos Mejor Película y Mejor Director. Galardones a parte, la cinta se ha convertido en una de las películas más comentadas de la temporada, codeándose con productoras de la talla de Warner o Disney/Pixar.

‘Klaus’ y Netflix, un tándem perfecto

Nos preguntamos cómo una película relativamente modesta, con una historia y una estética tan personales, ha podido llegar tan lejos. En 2010, Sergio Pablos, creador de la franquicia ‘Despicable Me’, tuvo la idea de contar una historia ambientada en una gélida isla más allá del Círculo Polar Ártico. Jesper es un cartero destinado a la ciudad de Smeeresburg, donde sus habitantes apenas hablan entre ellos. Cuando está a punto de rendirse, encuentra una aliada en Alva, la profesora del pueblo. También conoce a Klaus, un carpintero que vive aislado en una cabaña llena de juguetes hechos con sus propias manos. A partir de aquí, la ciudad y sus vecinos experimentarán sucesivos cambios.

Si algo tiene ‘Klaus’ es mucho corazón y calidez. Apoyada en lugares comunes, se nota que los personajes están creados con cariño. El relato navideño se refuerza, además, con dosis de humor. A nivel técnico, cabe decir que todo está dibujado a mano, potenciando el lado nostálgico sin exceso. La animación 2D proporciona un resultado visual muy parecido al 3D, y esto es gracias al gran trabajo de iluminación.

Ya en el año 2015, mucho antes de que la película viera la luz, se lanzó un teaser en busca de financiación. El proyecto recibió una gran cantidad de negativas por ser «demasiado arriesgado», incluyendo las de Netflix. Dijeron dos veces que no, pero a la tercera fue la vencida. En 2017 anunció la adquisición de los derechos globales de la producción y una fecha de estreno para el film. Así es como ‘Klaus’ se convirtió en el primer largometraje de animación original de la plataforma.

Hace ya un tiempo que Netflix lleva produciendo cine y series de animación, apostando fuerte por el anime japonés. Pero todavía no había entrado en el terreno de los largometrajes. Los amantes del cine de animación ven con buenos ojos este soplo de aire fresco. Este género está viviendo actualmente un momento creativo excelente, con propuestas muy variadas, arriesgadas y de calidad. Que ahora esté al alcance de muchos es una gran noticia para el sector.

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‘Dear Basketball’, la carta de Kobe Bryant convertida en cortometraje

Posted on 5 de febrero de 2020 by

No son pocos los homenajes y actos de reconocimiento al recientemente fallecido Kobe Bryant, ídolo global del baloncesto. Su trágica muerte junto a otras ocho personas, entre ellas su hija Gianna, ha conmocionado no solamente al mundo del deporte, sino a todo el planeta. Pero no estamos aquí para ponernos nostálgicos, sino para recordar a la leyenda que jugó durante veinte temporadas en Los Angeles Lakers y fue cinco veces campeón de la NBA. Y en este caso queremos hacerlo desde sus apariciones en spots publicitarios y series de televisión, hasta sus contribuciones en el cine, como el aclamado cortometraje de animación ‘Dear Basketball’.

Por todos es sabido que la Mamba Negra, a parte de jugar al baloncesto y ganar, estaba estrechamente vinculado a la industria de la publicidad. Marcas como Nike, Adidas, Turkish Airlines, FIFA, Apple TV, Sprite, McDonald’s o Guitar Hero apostaron por él en sus spots. El objetivo era expresar valores como liderazgo, competición, esfuerzo y superación.

Kobe Bryant y sus apariciones en cine y televisión

A finales de noviembre de 2015, y a sus 37 años, Kobe Bryant envió a The Player’s Tribune una carta anunciando su retirada. La carta, en forma de poema, cuenta la historia de un niño (él mismo) que sueña en convertirse algún día en jugador de baloncesto profesional y campeón de la NBA.

Una vez publicada, y teniendo en cuenta su buena acogida, Bryant decidió llevarla a otro formato, el de la animación. Así fue como, a través de Granity Studios, su compañía multimedia, produjo el cortometraje animado por el que ganó el Óscar en 2018: ‘Dear Basketball’.

Para llevarlo a cabo, contó con la dirección de Glen Keane, conocido por animar personajes para Walt Disney Studios, como ‘Aladdín’, ‘La Bella y la Bestia’ o ‘Tarzán’. La música fue a cargo de John Williams. A pesar de su aparente sencillez, el corto termina elevado a otro nivel con la participación de estos dos prestigiosos creadores.

Más premios cosechó este corto a parte del Óscar: premio Annie en su categoría, dos Muse Creative Awards, el Telly de Oro y el Premio Especial del Jurado en el World Animation Celebration 2017.

Pero no fue la primera vez que el nombre del baloncestista se relacionaba con la industria audiovisual. Ya en 1996, en sus inicios en la NBA, apareció en un episodio de la serie ‘Moesha’. Luego vinieron cameos en ‘Bette’, ‘Modern Family’, ‘Conan’ y ‘Cosas de hermanas’. En 2011, protagonizó el cortometraje sobre su vida, ‘La Mamba Negra’, dirigido por Robert Rodríguez. En 2015 volvió a realizar un cameo, esta vez en ‘Padres por desigual’. Y en ese mismo año produjo y protagonizó ‘Muse’, un documental sobre su carrera. Ya en 2018, Bryant se puso al frente de 16 entregas del espacio televisivo deportivo ‘Detail’, analizando y comentando jugadas de la NBA.

La noticia del fallecimiento de Bryant ha dejado en shock a medio mundo. Pero nos queda su legado para que podamos recordarlo y agradecerle los grandes momentos que nos ha brindado a lo largo de su carrera, tanto dentro, como fuera de la pista.

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Ines Alpha: El maquillaje 3D, el maquillaje del futuro

Posted on 31 de enero de 2020 by

Desde París la directora de video-arte y artista 3D, Ines Alpha, también conocida como Ines Marzat, nos revoluciona el mundo del maquillaje digital a través de sus creaciones donde las caras se transforman en máscaras vivientes con el maquillaje en 3D. Como ella dice, crea «El tipo de cosas que un robot podría usar para la Met Gala en el año 3052».

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Ines Alpha: Liderando la revolución

Ines Alpha es un nombre que ha estado vinculado al mundo de la publicidad. Gracias a eso inició su incursión en el digital makeup, trabajando de directora artística. Desde entonces, su pasión por el formato 3D fue creciendo, llegando a fusionarlo con el sector de la belleza. Hasta revolucionar este mundo, sacudiendo por completo todas las ideas preconcebidas de lo que es el maquillaje y cómo se usa.

Ines Alpha, uno de los maquillajes 3D color lila.

La artista ha sabido encontrar su camino, en una época donde conceptos como gamer, digital, internet, AR, son el pan de cada día. Ella ha creado una nueva corriente creando estas ilusiones. Ines Alpha colabora con varios artistas, músicos y modelos para producir sus propias versiones fantásticas de la realidad. Aquí, nos cuenta cómo hizo la transición a la industria y cómo desarrolló nuevas habilidades de manera autodidacta, antes de mostrarnos su reciente proyecto de filtro, Future Gloss.

Si te gusta lo que hace Ines Alpha, no dudes en ir al Absolut Manifesto, el 31 de enero y 1 de febrero de 2020 en Madrid, donde estará presente. Absolut Manifesto es un festival que lleva ya tres ediciones y que en sus dos días celebra la creatividad a través de la música, el arte y valores como la sostenibilidad, la igualdad y la inclusión.

Te invitamos a pasarte por su Instagram para seguir viendo todas sus creaciones. Además, si te ha gustado esta artista, te recomendamos más posts de nuestro blog para que sigas descubriendo más sobre el arte del maquillaje 3D.

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Diseño en la España de la transición: su Boom Creativo

Posted on 22 de enero de 2020 by

Una frase célebre que identificó el bullicio socio-cultural de la década de los 80’s fue sin duda, la mítica: ¿Diseñas o Trabajas?. Época en la cual nació el boom creativo del diseño, especialmente en la España de la transición. Los nombres que durante más de dos décadas quedaron asociados al diseño fueron Mariscal, Enric Satué, Pati Núñez o Juan Gatti; o también los estudios Eumografic, Grafica, BaseBCN, Mucho, Suma o Vasava, entre muchos otros.

Cobi, la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992, un símbolo del diseño español de la época de la transición.

¿Qué tuvo de especial el diseño en la época de transición española?

En el Museo del Diseño de Barcelona puedes visitar ¿Diseñas o trabajas? La nueva comunicación visual. 1980-2003. Esta exposición permanente del museo realiza un recorrido por la historia del diseño que se dio durante la España de la transición, y también en Catalunya. La muestra empieza en la década de los 80, etapa de eclosión cultural y modernización de instituciones y empresas. Continua en los 90 con la internacionalización y consolidación de la profesión. Finalmente, se extiende hasta el 2003, momento en que se celebra el Año del Diseño y se cierra un ciclo con la expansión de Internet y la aparición de nuevos enfoques en la disciplina.

La exposición muestra las diferentes facetas que el diseño tuvo durante la época España de la transición, presentando su crecimiento exponencial. El trabajo comisariado por la historiadora del diseño Raquel Pelta es exhaustivo y a la vez con una buena dosis de humor, como el propio título refleja. La frase era una de las bromas más tópicas que se le hacía a un diseñador. Simbolizaba la popularidad, pero también la frivolización que vivía el momento el mundo del diseño.

Un cartel de la exposición que depicta un cepillo de dientes con clavos en lugar de cerdas.

¿Qué verás aquí?

La exposición está formada por 600 piezas de la Colección de Diseño Gráfico del Museu del Disseny. Estas piezas se reparten en tres ámbitos del boom creativo español: 80’s: El boom del diseño gráfico, 90’s -2003: Más que un boom, y En pantalla. De esta manera, se recogen una gran variedad de trabajos relacionados con el diseño en la España de la transición. Encargos institucionales, imágenes corporativas, campañas gráficas de grandes acontecimientos, trabajos editoriales y gráfica social; Y una gran tipología de formatos: libros, revistas, carteles, portadas de discos, flyers, packaging, y también ejemplos de las primeras páginas web o gráfica audiovisual.

¿Con ganas de saber más? ¡Pásate por nuestro blog y lee más posts sobre exposiciones!. Y no olvides seguirnos en nuestras redes (Instagram, Facebook, Twitter y LinkedIn) para enterarte de todo lo que publicamos al instante.

Drones en Shanghái: Bienvenida al 2020

Posted on 13 de enero de 2020 by

Más de 2.000 drones han iluminado el cielo de Shanghái para dar la bienvenida al nuevo año. Sin duda alguna, una espectacular celebración que parece salida del futuro. A continuación, te dejamos con el vídeo para que alucines con el resultado.

En 2017, China prohibió el uso de la pirotecnia en muchas de sus ciudades debido a los altos niveles de polución. Así que Shanghái ha dicho adiós a los fuegos artificiales y le ha dado la bienvenida al 2020 con miles de drones.

En este llamativo espectáculo, que nos ha dejado con la boca abierta, hemos podido ver cómo se creaban todo tipo de patrones y formas, llegando incluso a formar la figura de un hombre corriendo. Este, tenía el objetivo de representar la evolución y los logros de la ciudad de Shanghái en estos últimos cuarenta años de historia.

Para acabar con este despliegue de tecnología, y después de hacer una cuenta atrás, el espectáculo finalizó proyectando las palabras «Zhui Meng», que significan «persiguiendo sueños».

Los drones iluminando el cielo nocturno de Shanghái para dar bienvenida al 2020.

Detrás de la magia de los drones

Aunque la grabación se hizo un par de días antes de fin de año, el resultado no deja de ser asombroso. Pero, ¿cómo fue posible realizar tal espectáculo con drones en el espacio aéreo de Shanghái sin ningún fallo?

La clave está en utilizar una herramienta de software que permitió coordinarlos todos a la vez. De tal manera que, además de poder previsualizar cada una de las figuras que se quería formar, también se podía controlar elementos como la coreografía o las luces en todos ellos.

Antes de acabar, hay que decir que Shanghái no es la única ciudad que ha querido innovar con drones para dar la bienvenida a este nuevo año. Os dejamos el enlace al espectáculo de Singapur, para que sigáis admirando las innumerables posibilidades que ofrece esta tecnología.

Espectacular, ¿verdad? Entonces no te vayas y pásate por nuestro blog para descubrir los proyectos más originales. Y si quieres estar actualizado de todo lo que publicamos, ¡síguenos también en nuestras redes sociales! Instagram, Facebook, T witter y LinkedIn.

Stop motion con fieltro: la mágia de Andrea Love

Posted on 17 de diciembre de 2019 by

Hoy os presentamos a Andrea Love, una artista con mucho talento. Especializada en animación y stop motion hecha con fieltro, Love consigue darle vida a los objetos y realizar creaciones que te sorprenderán. ¡No te las pierdas!

Esta artista independiente, también conocida como Andrea Animates, aprovechó la gran demanda en su ciudad, Port Townsend, para hacerse un hueco en el mundo de la animación y el stop motion gracias al fieltro. Además, también ha incursionado en el mundo del cine, elaborando algunos clips de stop motion para proyectos que han sido presentados en festivales de renombre como el Tribeca Film Festival y LA Shorts Fest.

A diferencia de otros artistas en el mundo de la animación, destaca por utilizar elementos hechos a mano y preservar la calidad artesanal. Segun ella dice, le interesa la animación gráfica.

Una de las creaciones de stop motion con fieltro de Andrea Love, donde se depictan perosnajes en un bosque.

¿Y dónde se unen stop motion y fieltro?

El sótano de su casa es su espacio de trabajo donde se pasa todo el día creando piezas tanto para clientes, como para ella misma. Recreando todo tipo de escenarios, utiliza pequeños objetos hechos con fieltro y gracias a la técnica del stop motion cobran vida. Así, capturando una serie de fotogramas con una continuidad lógica de movimiento se consigue recrear la ilusión óptica de que el objeto se mueve solo.

Antes de acabar, te dejamos por aquí el Instagram de la artista, muestra sus creaciones y algunos behind-the-scenes de sus proyectos.

Esperamos que te haya gustado esta artista, pero no te vayas, tenemos más material sobre animaciones y stop motion (y no solo de fieltro) en este enlace.

Además, te dejamos por aquí nuestro blog, para que sigas descubriendo todo tipo de novedades y que se cuece en el mundo audiovisual. Y no te pierdas nuestras actualizaciones: ¡síguenos en nuestras redes sociales (Instagram, Facebook, Twitter y LinkedIn)!

Snowbrawl, la famosa guerra de nieve rodada con un iPhone

Posted on 11 de diciembre de 2019 by

Hace unos días Apple publicó Snowbrawl, su última pieza para promocionar el iPhone 11 Pro de cara a esta Navidad. Dirigido por David Leitch, este vídeo recrea una apoteósica batalla de nieve rodada exclusivamente con el iPhone 11 Pro.

David Leitch, conocido por películas como John Wick o Deadpool 2, dirige ahora Snowbral y la dota de carácter cinematográfico. Aunque el nuevo iPhone 11 Pro dispone de una gran variedad de funcionalidades como un rango dinámico ampliado, estabilización con calidad de cine y un campo visual multiplicado por cuatro, no podemos obviar que el resultado sería diferente sin la dirección de Leitch y el equipo de iluminación, de postproducción y de sonido que consiguen sacar todo el potencial y obtener un resultado final digno de una producción de Hollywood.

Pero Snowbrawl no es la primera pieza que se graba íntegramente con un Iphone, de hecho hace un par de años Michel Gondry ya rodó «Detour» con iPhone 7. Y aquí no acaba la cosa, porque cada vez se extiende más la práctica, tanto en aficionados como en cineastas. Un ejemplo es el director Steven Soderbergh, director de «Ocean’s Eleven», que en 2018 presentó en la Berlinale «Unsane», filmada con un iPhone 7 Plus. Este año ha estrenado mundialmente en Netflix «High Flying Bird», grabada con un iPhone 8.

Detrás de las tres cámaras de Snowbrawl

Apple quería sacar pecho de la triple cámara implementada en su último modelo de iPhone y ha encontrado la mejor manera de hacerlo. Y es que una imagen vale más que mil palabras. Rodado en 4K a 60 frames por segundo, demuestra en menos de dos minutos lo que este smartphone es capaz de hacer.

Tal como se puede ver en el making of de Snowbrawl, la mayoría de clips fueron filmados tanto cámara en mano, como utilizando un gimbal para estabilizar la imagen. Además podemos ver como aprovecharon diferentes elementos de utilería para lograr captar ángulos únicos. Aquí te dejamos el making of -que también se grabó con el iPhone– para descubrir todos los detalles de esta producción:

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Last I heard… el nuevo videoclip de Thom Yorke

Posted on 3 de diciembre de 2019 by

Thom Yorke ha vuelto por la puerta grande. Después de que el cantante de Radiohead sacara en junio su tercer disco en solitario, Anima, nos presenta el primer videoclip del disco: Last I heard…

Uno de los frames del videoclip Last I heard...

El mundo distópico con tintes de realidad de Last I heard…

Dirigido por Saad Moosajee junto con el estudio experimental de Brooklyn Art Camp, Yorke nos presenta el videoclip Last I heard… (He Was Circling the Drain).

La idea principal del videoclip viene de una serie de visiones que tuvo el cantante y que compartió con el resto del equipo. Así mismo, tal como explica el director, la intención era comunicar la sensación de soledad. Esa percepción de que aún estando rodeado de gente, no te entienden y no ven que necesitas su ayuda.

Sin duda alguna, si algo llama la atención en Last I heard…, es la diversidad de técnicas que han sido utilizadas para su realización. Animación 3D y 2D, stop motion y películas de 16 mm son algunos ejemplos de lo que se ha utilizado para cada uno de los más de 3.000 frames que forman esta pieza. En ellos podemos ver desde multitud de gente, hasta la recreación de llamas de fuego. Todo con un estilo que nos recuerda a la técnica de dibujo al carboncillo.

A lo largo de los 5 minutos que dura el videoclip, vemos como todos los elementos se unen para reforzar el mensaje principal del vídeo. Así, la serie de imágenes animadas recrea un mundo inquietante que evoca una sensación de soledad, que se ve potenciado por la escala de grises que predomina en todo el vídeo.

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