Para empezar el otoño de la mejor manera posible, os traemos este spot que nos encanta. Se trata de una producción de WE ARE CP para Òptica Universitària y sus nuevas monturas Munich, que ha contado con la creatividad de la agencia Bloc D y la realización de Sandra Budí. ¿Quieres verlo? ¡Aquí lo tienes!
Nunca es demasiado tarde
Esta es la premisa de la nueva campaña de otoño de Òptica Universitària. Nunca es demasiado tarde para volver a empezar; nunca es demasiado tarde para hacer aquello que siempre has querido hacer o que dejaste a medias.
Así que anímate a hacer aquello que verdaderamente quieres hacer. Ya sea aprender a ir en skate o simplemente hacer un picnic en medio del campo.
Los protagonistas de este spot nos muestran los diferentes modelos de gafas de la colección mientras realizan distintas acciones que refuerzan el mensaje de la campaña.
En esta ocasión, la realización de la campaña es original y combina distintos elementos que son interesantes de destacar. Como por ejemplo, la utilización de distintos efectos que consiguen dar la impresión que, en ocasiones, las imágenes se han grabado con una cámara 8 mm, dando ese efecto retro o vintage. Otro elemento característico es la integración de secuencias de fotografías, que le dan un toque muy desenfadado al resultado final.
Para acabar, la música y los planos dinámicos, la combinación del blanco y negro con el color, junto con los elementos anteriormente citados, dan como resultado una pieza muy dinámica y fresca.
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Empieza La Liga y, con ella, vuelve La Quiniela. Por ello, Loterías y Apuestas del Estado lanza “Corazón loco”, la nueva campaña de este mítico juego de azar basado en la Primera y Segunda División de fútbol español. Bajo la coordinación de WE ARE CP, el spot ha contado con la creatividad de la agencia CHINA, la producción de Lobo Kane y la realización del dúo argentino Wacho.
Amar a 15 equipos a la vez
¿Se puede querer a 15 equipos a la vez y no estar loco? Claro que se puede. Al compás de una adaptación del conocido bolero “Corazón loco”, de Bebo Valdés y Diego El Cigala, el spot muestra cómo el deporte rey despierta admiración, pasión y emoción máxima por parte de sus seguidores.
A lo largo de 60 segundos, podemos ver a un mismo aficionado ataviado con camisetas de distintos equipos y viendo partidos en situaciones bien reconocibles, ya sea en la barra de un bar o en el estadio de fútbol. A medida que avanza la pieza, podemos ver a este mismo aficionado en situaciones cotidianas: en el autobús de vuelta después de apoyar a su equipo, en el estadio, abatido ante una derrota o en tensión con otros aficionados, en la calle festejando una victoria, o en su casa. Sea donde sea, el aficionado tiene las emociones a flor de piel, reflejando los códigos futboleros por excelencia.
Con el rodaje planificado durante el mes de marzo, finalmente tuvo que retrasarse por la crisis sanitaria, teniendo presentes las circunstancias contextuales que aplican a la nueva concepción de este deporte y de la sociedad en general. El resultado es una campaña rodada con un gran realismo, un emotivo homenaje al fútbol y a los amantes del fútbol.
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Hoy os presentamos a la artista visual Esperanza ManzaneraFerrándiz, también conocida como Velmock. Esta artista nos muestra un mundo fantástico y surrealista a través de su fotografía onírica que evoca paisajes y situaciones muy variopintas. ¿Quieres verlo?
Manzanera utiliza diversas técnicas para la creación de sus fotografías, como aplicar efectos o crear collages digitales. En todas sus obras vemos la influencia de artistas surrealistas como Magritte, Remedios Varo o James Ensor, que han acabado configurando estas imágenes y fotografías tan oníricas y fantásticas: habitaciones, flores, mariposas, estrellas, sombras o retratos son algunos de los temas que Esperanza refleja en sus creaciones. Su talento le ha valido premios como la mención de honor en la Life Framer Photo Competition.
¿En qué consiste un collage digital? Es una técnica donde mediante un software se combinan varias imágenes o se manipulan con el objetivo de obtener una nueva imágen que evoque unas formas y lecturas distintas y que por ende, dan un nuevo significado al resultado; esta es quizás una de las claves de la fotografía onírica y fantástica de la autora.
Antes de acabar, os dejamos con su Instagram para que sigáis alucinando con todas sus fotografías.
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Hoy, en Qué se Cuece, os traemos una obra maestra adaptada a los tiempos que corren. Estamos hablando de la película 2001: A Space Odyssey (1968) dirigida por el influyente cineasta Stanley Kubrick, que en esta ocasión ha visto recreados sus últimos ocho minutos bajo la mirada de Lydia Cambron. Ella ha sido la responsable del corto 2020: An Isolation Odyssey o lo que es lo mismo, 2020: una odisea del aislamiento.
Un 2020 Made at Home
Grabado íntegramente en el apartamento de Cambron en Brooklyn, y utilizando todo lo que tenía en casa, en 2020: An Isolation Odyssey podemos ver una recreación plano a plano de esos míticos ocho minutos finales con ella misma como protagonista.
El rodaje de este cortometraje empezó a finales de marzo y se alargó hasta finales de mayo, abarcando el punto álgido de la pandemia en la ciudad de Nueva York. Cambron pretendía reflejar los dramas y las experiencias del aislamiento durante la pandemia de la COVID-19, mientras creaba un paralelismo con la cinta de Kubrick, cambiando elementos como el traje de astronauta por unos guantes y una mascarilla, o las imágenes del espacio por puzzles sin terminar. ¿El resultado? Una pieza hipnótica que refleja la realidad por la que hemos pasado de una manera un tanto peculiar.
La mente detrás de la obra
Lydia Cambron es una diseñadora que vive y trabaja en Nueva York y tiene una profunda fascinación por la capacidad narrativa de los objetos. Utiliza el lenguaje del diseño de productos para explorar el comportamiento y la identidad estética, a menudo a través de la sátira. Os dejamos su Instagram para que le echéis un ojo a lo que hace.
Increíble toda la creatividad que ha surgido durante el confinamiento, ¿verdad? Si te ha gustado este post, no dudes en continuar leyendo nuestro blog, donde podrás encontrar más proyectos interesantes. Además, no te olvides de pasarte por nuestras redes sociales (Instagram,Twitter,Facebooky LinkedIn) para estar al día.
Ya está aquí septiembre, la vuelta a la rutina… ¡y la nueva canción Keep Moving! Hoy os traemos el espectacular videoclip del grupo de música electrónica BRONSON que se ha realizado íntegramente con imágenes de stock y CGI. Alucinante, ¿verdad?
El videoclip, dirigido por el colectivo de directores Stylewar, empieza mostrándonos imágenes del que podría ser un día más en la oficina: gente en traje, reuniones, celebraciones… todo muy corporativo. Pero la aparición de un hombre en llamas nos hace sospechar que la jornada laboral va a ser de todo menos normal.
De esta manera, y como si la ley de la física se acabara de romper, veremos una sucesión de escenas surrealistas donde los objetos de la oficina saldrán volando de un lado a otro, los trabajadores empezarán a salir de las pantallas y aparecerán personas diminutas por todos lados.
Fotograma del videoclip
¿Crear mediante Imágenes de stock y CGI en el confinamiento?
¿Sabíais que el videoclip se hizo durante el confinamiento? Pues así es. Ante la imposibilidad de poder realizar un rodaje en condiciones normales, surgió la idea de utilizar imágenes de stock y modificarlas mediante CGI.
Pero… ¿qué es el CGI? Son imágenes generadas por ordenador, de manera que, mediante gráficos 3D, recrean una empresa ficticia que sigue la estética de las imágenes anteriormente seleccionadas. Pero no solo eso, también sobreponen planos de bocas cantando la canción sobre los actores que aparecen en las imágenes, dando la sensación que ellos mismos la están cantando. Impresionante todo lo que se puede llegar a hacer con imágenes de archivo y con CGI, ¿no?
¡Hasta aquí el post de hoy! Si te ha gustado y quieres más y mejor, pasa por nuestro blog para seguir descubriendo qué se cuece en la creatividad. Y no te olvides de seguirnos en nuestras redes sociales (Instagram, Twitter,Facebook y LinkedIn) para estar al día de todo lo que creamos.
La crisis del COVID-19 ha demostrado la constante de que la creatividad no tiene fin y que el talento, aunque esté confinado, se puede mantener operativo. El ingenio en estos tiempos se ha multiplicado. ¡Es sorprendente!
En esta época de crisis estamos más pendiente de todo, por eso el COVID-19 no ha pasado desapercibido para nadie, y mucho menos entre los creativos. Por ello, en este artículo vamos a analizar cómo han reaccionado ante la crisis sanitaria a través de 4 ejemplos. ¡Vamos a ello!
Every COVID-19 Commercial is Exactly the Same
El canal de YouTube Microsoft Sam, es conocido por hacer análisis y apreciaciones históricas del creativo mundo de la publicidad audiovisual. Estos días, este famoso canal ha colgado esta pieza bajo el título Cada spot sobre el COVID-19 es exactamente el mismo. En ella, se ha hecho una recopilación de todos los vídeos corporativos que estamos viendo estos días, que se resumen en una música de piano y en mensajes que nos dicen que, ante estos «tiempos inciertos», «estamos aquí para ayudarte». Todos ellos también resaltan que su principal prioridad son las «personas», llevando sus servicios a la «comodidad y seguridad de su hogar». El mensaje que se transmite es claro: «¡Estamos todos juntos en esto!» #juntos.
IT Dansa baila Whim desde casa
La creatividad tampoco se ha parado para los bailarines de IT Dansa, Jove Companyia del Institut del Teatre, siguen bailando desde casa, en la distancia, a pesar del confinamiento impuesto por la COVID-19. Cada uno tiene una silla y empieza a bailar mientras suena el primer movimiento del Concierto núm. 4 en fa menor, op. 8, RV 297, el Invierno, de Antonio Vivaldi. En pleno confinamiento, nos regalan un extracto de Whim (Fractured Fairytale), del bailarín y coreógrafo Alexander Ekman, una pieza que trata sobre el hecho mantener la cordura, y que se estrenó en el Festival Grec.
Cuarentena Film Festival: cortos confinados con mucha creatividad
La premisa de estar confinados con directores y actores para sumarnos a la iniciativa #YoMeQuedoEnCasa se ha dado en muchos hogares estos días.
Pero crear un festival de cortos con temática sobre la cuarentena solo se les ha pasado por la cabeza a los actores y directores Mikel Bustamante y María Algora, de la productora BEDMAR FILMS.
Todo empezó con el corto La Vecina, ya que querían apoyar la campaña #YoMeQuedoEnCasa a través de Instagram. A partir de aquí se les ocurrió la idea de seguirla apoyando a través de cortos independientes. De esta manera crearon el Cuarentena Film Fest, un festival de cortos a través de Instagram cuyas piezas deben estar rodadas en casa o desde casa. Cada día cuelgan los cortos que van recibiendo, ¡y los hay de todos los géneros posibles!: drama, comedia, y hasta ciencia ficción…
Freeride Skiing at Home – A Ski Movie By Philipp Klein
El coronavirus ha frustrado muchos planes y viajes, pero no está todo perdido cuando la imaginación puede llevarnos a cualquier lugar soñado. Al menos esta fue la idea que se le ocurrió a Philipp Klein Herrero, un ingeniero de Barcelona que trabaja en la SEAT de Martorell.
Como miles de españoles, Klein tuvo que cancelar sus planes de ocio, pero la cabeza de este ingeniero no paró de pensar. La creatividad nunca cesó pese a las dificultades. Echó mano de toda su imaginación y, aprovechando su equipación de montaña, los esquís y una sábana, montó un escenario en los 10 metros cuadrados de una habitación de su casa convertida en plató improvisado, creando uno de los vídeos más virales y divertidos del último mes.
De esa frustración nació este genial vídeo, 57 segundos de acción, rodados con una cámara instalada en el techo de su habitación, con la técnica del «time lapse».
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¿Alguna vez os habéis imaginado una ciudad con una arquitectura que cambia y se mueve por sí misma, como si fuera un organismo vivo? Stefan Larsson, artista y fundador del grupo AUJIK ha creado el proyecto «Spatial bodies: Hong Kong & Shenzhen», donde sí ha imaginado estas dos ciudades en constante movimiento. El resultado es un espectacular cortometraje en el que se muestra un paisaje urbano totalmente futurista, con edificios que se expanden y se contraen, y estructuras parecidas a extremidades y colas de misteriosas criaturas.
AUJIK con la Inteligencia Artificial y la Realidad Aumentada
Para la realización de este cortometraje, AUJIK ha contado con tecnologías como la Inteligencia Artificial y la Realidad Aumentada. Grabado en 4K y con una partitura compuesta por el músico japonés Daisuke Tanabe, la pieza revela dos zonas urbanas densamente pobladas. Se trata de un laberinto animado de edificios de hormigón aumentados, cuyas fachadas oscilan entre el orden y el caos.
La voluntad de AUJIK es mostrar unas ciudades con un paisaje en cierto modo informático, donde los componentes de cada construcción están unidos y correlacionados entre sí de forma muy similar a como se construye un ordenador. Lo que vemos al final es una maquinaria utópica y futurista, cuya evolución no parece tener fin.
Este proyecto es una secuela de otro proyecto en colaboración que este mismo grupo de artistas realizó en torno a la ciudad de Osaka. En esa ocasión, la arquitectura de la ciudad también desafiaba la física, mostrando unos edificios que se retorcían y se curvaban como enredaderas, suspendidos en el cielo como si no importara la gravedad.
«Spatial bodies: Hong Kong & Shenzhen» fue encargado por la Shenzhen Biennale of UrbanismArchitecture (UABB), y se estrenó en diciembre de 2019 en la exposición «Ascending City» del Museum of Contemporary Art & Planning Exhibition (MOCAPE). Esta exposición todavía puede visitarse hasta la primavera de este año 2020.
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Desde hace 13 ediciones, la World Photography Organisation, en colaboración con Sony, celebra el concurso Sony World Photography Awards, donde se entregan los National Awards de fotografía. Este concurso, único en su escala e influencia, celebra y premia el talento fotográfico local en más de 60 países.
World Photography Organisation: Una plataforma global para la fotografía
La Organización Mundial de la Fotografía es conocida e influyente plataforma global de iniciativas relacionadas con la fotografía. Trabajan en más de 180 países, con el objetivo de fomentar el interés en torno a la fotografía, celebrando las mejores imágenes y fotógrafos del mundo.
Realizan eventos durante todo el año, entre ellos Sony World Photography Award, uno de los concursos de fotografía más grandes del mundo, con cuatro categorías: Juvenil, Profesional, Nacional y Estudiantil. Además realizan anualmente diversas reuniones locales y ferias de arte internacionales dedicadas a la fotografía, con destinos como Shanghai y San Francisco.
National Awards: un premio internacional que honra el talento local
Dentro de los Sony World Photography Awards, se entregan los National Awards, concurso abierto a todo el mundo que premia a las mejores fotografías de cada país, con espectaculares imágenes que recorren el mundo por países tan lejanos como Corea del Sur, Indonesia o Nepal. También otros más cercanos como España, Suecia, Francia o Alemania.
Los premios son para la mejor fotografía del año pasado y para una variedad de géneros fotográficos. Los participantes tienen que cumplir una serie de requisitos: todas las imágenes se deben haber tomado en el año previo a la celebración del concurso; y el fotógrafo debe tener la nacionalidad del país en que compite y reside en el momento del concurso.
La ceremonia de los premios se celebra anualmente en Londres cada mes de abril. Todos los ganadores reciben equipos de material de Sony, la inclusión de su obra en una exposición, en la galería Somerset House en Londres, y la posterior publicación de un libro. Luego, las obras de arte se muestran en todo el mundo como parte de la gira de Sony World Photography Awards.
Si queréis ver los ganadores os dejamos este enlace. Aquí tenéis una pequeña muestra de las obras premiadas que más nos han impactado:
España: José Luis Ruiz Jiménez
José Luis Ruiz Jiménez, Spain, Winner, National Awards, 2020 Sony World Photography Awards
Bjørn-Arild Schancke, Norway, Winner, National Awards, 2020 Sony World Photography Awards
Sri Lanka: Lakshitha Karunarathna
Lakshitha Karunarathna, Sri Lanka, Winner, National Awards, 2020 Sony World Photography Awards
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¿Alguna vez has visto cómo se desarrolla la vida de los insectos y las plantas a tamaño microscópico? Thomas Blanchardes un videoartista francés que ha conseguido captar estos fascinantes momentos. Y el resultado es «Evolution», un vídeo musical en time-lapse que ha dirigido para el dj y productor Aedan que muestra cómo los insectos corren, pican o atrapan a sus presas, así como las plantas florecen. En definitiva, un espectacular viaje a lo infinitamente pequeño que proporciona otra visión de los ciclos de la naturaleza.
El vídeo en cuestión es el resultado de semanas de filmación aislada con una gran cantidad de insectos y plantas, con el objetivo de comprender mejor sus interacciones y mecanismos de supervivencia. Sirviéndose de distintas fuentes de luz profundamente saturadas, Blanchard ilumina insectos con cuerpos brillantes, ojos gigantes o flores que se abren, aportando matices artísticos a la pieza.
Coproducido por Ekitaimacro, Thomas Blanchard Greenlight Films, Paul Mignot y Léa Morel, «Evolution» fue filmado en 8K con una cámara RED Helium con una lente macro Canon de 100 milímetros L y una lente macro MPE de 60 milímetros. La edición se hizo en 4K.
Las transformaciones surrealistas de Blanchard hipnotizan
A Thomas Blanchard le gusta mezclar distintas técnicas artísticas en sus proyectos. A través de formas, colores, pigmentos y texturas crea obras visuales muy envolventes e impactantes. Un buen ejemplo son sus vídeos experimentales de combinaciones líquidas, como The Colors of Feelings o Memories of Paintings. En ellos explora el significado y los efectos psicológicos de los colores de una manera poco convencional, utilizando pintura, aceite, miel y canela que mezcla y posteriormente filma.
Grandes nombres de la tecnología y la telecomunicación ya se han fijado en su espectacular trabajo. Así, Apple ha contado con su colaboración para el lanzamiento del iPhone X, además de Sony, Dolby Laboratories, LG, Huawei y Samsung, éste último para el lanzamiento del Galaxy Fold.
Si te gustan las creaciones de este artista, visita nuestro blogQué se Cuece, donde encontrarás más posts sobre arte y time-lapse. Síguenos en nuestras redes sociales (Instagram, Twitter, Facebook y LinkedIn) para estar actualizado de todas nuestras publicaciones.
La restauración es necesaria para preservar la cultura. Normalmente está asociada a obras de pintura, esculturas, edificios o cualquier otro tipo de superficie arquitectónica. ¿Pero y en el sector audiovisual? ¿Qué pasa en nuestro mundo con este tema? Si pensamos que los negativos se deterioran con el paso de las décadas llegando a desaparecer, esta cuestión es algo muy importante y necesario en la que pensar. Por este motivo cada vez hay más películas que pasan por un proceso de restauración digital.
La preservación de películas consiste en rescatar películas deterioradas y preservar las imágenes que contengan. En un sentido amplio, actualmente la conservación asegura que una película seguirá existiendo de forma lo más cercana posible con su versión original.
Restauración digital vs Grano de las películas
La restauración de películas en sus inicios se hacía artesanalmente, aunque se sigue haciendo actualmente. El maestro restaurador buscaba varias latas de la misma película. De cada una se extraían los mejores negativos y así se recombinaban materiales supervivientes. De esta manera, se creaba un máster de restauración final, que luego se duplicaba para ser o un negativo duplicado o un máster de grano fino positivo.
Hoy en día este proceso se ha mejorado. La restauración digital tiene varios pasos. Primero se busca el negativo que se encuentre en mejores condiciones. Luego se realiza el escaneo cuadro por cuadro del negativo para transferirlo a digital. Una vez digitalizado, se corrige el color, la imagen, el sonido, se elimina la suciedad y los arañazos.
Esto ya se puede hacer respetando el original o mejorándolo para que parezca una película actual. Este tema ha generado un debate entre expertos. Filtros como DNR (Digital noise reduction) o el uso de IA (Inteligencia Artificial) pueden ayudar a esta ardua tarea. No obstante, su uso y abuso pueden hacer que algunos fondos parezcan cuadros pintados con acuarela, que el agua resulte un líquido viscoso, etc. Un auténtico despropósito por culpa del empeño en hacer que las películas antiguas luzcan como una de Pixar. Señores, ¡las películas tienen grano!.
Estas herramientas generan resultados increíbles, aunque también pueden hacer que un actor pase de ser una persona a ser un muñeco de cera, o que las imágenes pierdan su esencia. Un ejemplo de mala restauración para nosotros seria la película Predator, donde la aplicación en exceso del filtro DNR destruye por completo la esencia del celuloide.
Versión sin DNR
Versión con DNR
Mas recientemente, Denis Shiryaevha encontrado una manera de aclarar las primeras películas de la historia y sus texturas granuladas. Gracias al uso de la IA transformó la histórica 1896 L’arrivée d’un train à La Ciotat(La llegada del tren) en una película que, de repente, revela rostros distintos de los pasajeros que se apresuran a subir al tren, además de detalles sobre la locomotora que de otro modo no se distinguían en la versión original. Según los expertos de Peta Pixel, Shiryaev utilizó por primera vez la IA Gigapixel de Topaz Lab para mejorar la resolución de la película a 4K, seguido por el DAIN de Google, que utilizó para crear y agregar cuadros al archivo original, llevándolo a 60 cuadros por segundo.
Aunque no todo en el mundo de la restauración digital es un espanto. The Criterion Collection, empresa con 35 años de experiencia, se encarga de distribuir películas a domicilio, pero no cualquier cine, sino toda obra que consideren relevante para el mundo cinematográfico. Pero sin duda lo que más destaca de The Criterion es su proceso de restauración de películas, tanto a nivel visual como de audio. Son de tan alta calidad que los cinéfilos la consideran prácticamente como la versión final de la película.
En resumen, como dice el título de la entrada, Like o Dislike en el uso de la restauración digital, nosotros, como habréis notado, creemos que pierde cierta magia.
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