Holosys, el sistema de captura volumétrica desarrollado por 4Dviews, ha sido lugar de producciones como Megalópolis. Recientemente, ha sido actualizado para mejorar la velocidad del procesamiento, consiguiendo así un mayor control creativo.
Ejemplo del sistema de captura volumétrica Holosys. Fuente: 4Dviews.
¿Qué significa «capturar imágenes volumétricas»?
El vídeo volumétrico es una técnica avanzada que permite capturar el movimiento dentro de un espacio tridimensional. De esta forma, se consigue llevar la creación de contenido a nuevos niveles a través de generar experiencias inmersivas y revolucionar la creación de videojuegos, cine y entretenimiento digital.
El ecosistema Holosys de 4Dviews es una de las herramientas más avanzadas en la producción de vídeo volumétrico. Esta tecnología permite capturar la actuación humana a alta calidad en cualquier flujo de trabajo 2D o 3D. El objetivo del vídeo volumétrico es la creación de contenidos inmersivos que permiten conectar con el público.
El sistema Holosys como un marco de referencia
Una de las características principales de Holosys se trata del volumetric in a box. Se trata de un sistema que ofrece una solución integral porque incorpora cámaras, iluminación y herramientas de procesamiento optimizadas por 4Dviews. Esto garantiza una herramienta más accesible y eficiente. Además, los archivos generados son compatibles con motores gráficos muy reconocidos como Unity, Unreal, Engine o WebXR.
La actualización de Holosys ha optimizado los algoritmos de procesamiento, haciendo que la conversión de los datos sea más eficiente y brindando un mayor control sobre el resultado final. Esto supone un beneficio en la producción de proyectos que buscan realismo y fidelidad en la captura del movimiento.
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Las interpretaciones de los actores o la dirección de la película son esenciales, pero hay un aspecto que no puede pasarse por alto: la iluminación. Esta herramienta visual no solo ayuda a crear la atmósfera adecuada, también permite comunicar emociones y reforzar la narrativa de la película. La iluminación define el tono del film, la narrativa y la percepción del espectador, configurando el lenguaje visual de la película. De hecho, dependiendo del género cinematográfico, las estrategias de iluminación varían para potenciar la experiencia y dar vida a la historia.
Comedia
En las películas de comedia, la iluminación se caracteriza por su calidez y suavidad, creando un ambiente luminoso y alegre, y que resalta las expresiones faciales de los actores. Además, se puede ayudar de efectos de iluminación exagerados para reforzar un efecto cómico, como luces estroboscópicas o luces de neón, para resaltar la ironía o el sentido del humor.
La comedia suele apoyarse en el uso de una iluminación cálida, como el amarillo, el naranja o el rosa, para crear un ambiente de felicidad y buena energía. Todo esto se ve reflejado en Como dios(2003): una película del director Dean Semler y protagonizada por Jim Carrey donde existen pocos contrastes y una iluminación homogénea.
Drama y thriller
Este tipo de películas suelen usar una iluminación más bien tenue para tratar de generar una atmósfera de misterio e incertidumbre. Los contraluces que delinean la silueta de los personajes, crean una sensación de misterio por la dificultad de identificar el rostro del actor. En la película Se7en (1995), dirigida por David Fincher, se juega especialmente con el contraste de luces y sombras que refuerza el clima de tensión.
Acción
En el género de acción, la iluminación se caracteriza por ser intensa y dura para enfatizar en la fisonomía y en los movimientos de los personajes. Este estilo de iluminación busca subrayar la adrenalina y la emoción de la escena.
La iluminación roja también suele ser una aliada en este género para aumentar la tensión de la historia. Un ejemplo de ello es Mad Max: Fury Road (2015), película dirigida por George Miller donde se hace uso de tonos rojizos y sombras duras para marcar la violencia y el caos en un mundo desértico.
Terror y suspense
La iluminación en las películas de terror y suspense es crucial para generar una atmósfera de miedo y tensión. Las sombras profundas y las zonas oscuras son elementos clave, ya que generan al espectador una sensación de amenaza oculta. A través de la oscuridad, se pueden crear efectos inquietantes que surgen desde la penumbra. Las luces parpadeantes y las iluminaciones rojas, verdes o azules ayudan a intensificar la incomodidad y el miedo.
En la película REC 2 (2009), a parte de jugar con las sombras y la oscuridad, añaden un elemento más de iluminación: LEDS en el propio vestuario. Esto combinado con la luz intermitente y las linternas, dota a la pelicula de una personalidad única.
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La película de animación Flow se desmarca de los estándares convencionales de la industria para mostrar que un producto de alta calidad no está necesariamente ligado a una producción multimillonaria. Utilizando el software sin coste Blender se logró renderizar toda la película, enviando un mensaje claro a Hollywood: los creadores independientes también pueden conectar con el mundo y ganar premios importantes.
Frame de la película Flow. Fuente: The New York Times.
Una película distinta a todo lo que conocemos
Flow es un largometraje de animación dirigido por el cineasta letón Gints Zilbalodis y coescrito por el productor Matīss Kaža. La película invita al espectador a sumergirse en una de las mayores problemáticas de la sociedad contemporánea: la crisis climática. Tras una inundación devastadora que ha dejado un futuro incierto, un gato negro forma un grupo singular – un capibara, un lémur, un pájaro y un perro– con el objetivo de encontrar tierra firme en este nuevo mundo acuático.
Lejos de las grandes producciones y de las típicas películas, aquí los animales no hablan, ni cantan. Se prescinde totalmente del diálogo para enfatizar en sus movimientos y emociones. La película destaca por un realismo natural que da protagonismo a la música, al maullido, al ronroneo y a sus expresiones sumamente comunicativas.
GIF de la película Flow. Fuente: This is Colossal.
Un mundo visualmente impactante
La película ofrece una amalgama de escenarios oníricos a través de imágenes no fotorrealistas que refuerzan su belleza. La atmósfera se construye con colores vibrantes que logran un equilibrio entre lo real y lo fantástico. Flow, creada íntegramente con la herramienta gráfica de 3D Blender, recuerda a un videojuego de mundo abierto que invita a la exploración, convirtiéndola en una película llena de matices.
Una revolución en la animación
Flow, galardonada con un Oscar y un Golden Globe, marca un antes y un después para las nuevas generaciones de animadores: demuestra que no es necesario formar parte de una gran corporación ni utilizar los programas más punteros para crear una obra de arte. Flow ha entrado para quedarse y desafiar el paradigma de la industria cinematográfica.
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Cassius Rayner ha trabajado en la industria durante más de 20 años como director y operador de cámara en importantes cadenas como Sky, ABC, Channel 4 y Meridian News, entre otras. Sin embargo, a partir de 2014, comenzó a explorar un nuevo medio para la producción audiovisual: el cine con smartphones. Desde entonces, ha llevado al límite las capacidades técnicas de los dispositivos móviles, consolidándose como un referente en este ámbito.
Además, es reconocido por ser uno de los pioneros en utilizar herramientas, como Filmic Pro, Apple, Sony y Zhiyun para producir series, documentales y vídeos musicales. Su incursión en la cinematografía con un móvil le ha valido 14 premios internacionales, permitiéndole rodar en diversas localizaciones de África, Sudamérica, China, Hong Kong y Europa.
The Missing: un referente de producción con smartphones
Rodaje con móvil con Cassius Rayner. Fuente: Filmic Pro.
Uno de los proyectos más recientes de Rayner es The Missing, un cortometraje que muestra el problema de los niños que son reclutados para formar parte de pandillas. Este proyecto ha sido rodado íntegramente con un Sony Xperia Pro-I y el micrófono Sennheiser MKE 400, siendo galardonado con tres premios premios internacionales de cine.
Rayner asegura que la filmación con dispositivos móviles le ha permitido llegar a lugares que serían inaccesibles con los equipos tradicionales. Sin embargo, aunque la calidad de las cámaras de los smartphones ya es comparable a la de las cámaras DSLR, aún existen desafíos a superar, como la captura del audio, el almacenamiento externo y la autonomía de la batería.
Grabación del cortometraje The Missing. Fuente: Chogu.
Transmitiendo el conocimiento
En 2017, Rayner decidió compartir su conocimiento impartiendo clases de cinematografía con smartphones en grandes escuelas de cine, como la Met Film School o la London Film Academy. También se convirtió tanto en profesor como invitado en el British Film Institute y fue pionero en lanzar un campamento de cine móvil en la República Democrática del Congo.
Por otro lado, creó un curso llamado Smart Film 101 para llegar a cineastas sin presupuesto donde se enseña cómo estructurar la narrativa y rodar sin un equipo adicional. Cassius Rayner está completamente entregado a mostrar nuevas vías divergentes para poder narrar una historia. Trata de demostrar que la creatividad y la innovación son grandes aliados para abrir nuevas puertas en la industria del cine.
Cassius Rayner impartiendo una clase. Fuente: British Cinematographer.
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La cinematografía submarina es una de las disciplinas más complejas en el mundo del cine, y para construir la imagen de la película Last Breath, los desafíos se multiplicaban todavía más. El aclamado director de fotografía Ian Seabrook, conocido por su trabajo en películas como Indiana Jones o Batman, no solo tiene una vasta experiencia en el campo, sino que es un experto de las exigencias de las profundidades marinas. Su labor en la filmación de Last Breath se desarrolló en aguas maltesas donde enfrentó diversos obstáculos.
Last Breath es la adaptación cinematográfica de un documental del 2019 que narra la angustiosa lucha de un grupo de buzos experimentados para salvar a un compañero atrapado a 100 metros de profundidad. La producción de la película se convirtió en un reto donde la iluminación bajo el agua juega un papel crucial.
Rodaje de la película Last Breath. Fuente: IMDb.
Problemáticas del trabajo bajo el agua
El rodaje submarino de la trama se desarrolló en los Malta Studios, lugar que alberga el tanque exterior más grande de Europa, el Deep Tank. Con 107 metros de diámetro y casi 11 metros de profundidad, su agua es directamente recogida del mar Mediterráneo, consiguiendo un ambiente oceánico pero controlado.
Sin embargo, mantener la claridad del agua fue un factor complicado: tras las largas jornadas de rodaje, el agua se enturbiaba. Como resultado, se reducía la visibilidad significativamente. Consciente de esta limitación, Seabrook tomó la decisión de introducir un sistema clarificador mediante una rutina de cloro para asegurar la nitidez de las imágenes.
Frame de la película Last Breath del actor Simu Liu. Fuente: IGN.
Los obstáculos de iluminar en las profundidades
Para replicar la profundidad del mar y una tormenta violenta, se decidió grabar por la noche pero se necesitaban luces para poder trabajar. El equipo solucionó el reto con los Titan Tubes de Astera: unos LED que proporcionan una luz tenue. Esto permitió tener la suficiente luz ambiental pero sin alterar la sensación de inmensidad del océano. Estas fuentes de luz también se podrían controlar desde la superficie, y de esta forma, no se comprometía la seguridad del equipo o las inmersiones.
Luz como elemento narrativo
En Last Breath, el trabajo de iluminación no solo servía para dar una mayor visibilidad al equipo, también actuaba como un elemento que ayudaba a aumentar la tensión de la trama. Un ejemplo es la secuencia donde se enciende una bengala bajo el agua. Para potenciar su efecto dramático, Seabrook utilizó tubos de Helios con un parpadeo que cambiaba la intensidad de la luz. Este uso de los tubos reforzó la atmósfera de angustia gracias a la suma del parpadeo y la iluminación roja bajo las profundidades.
Un trabajo contra las adversidad
La cinematografía submarina no solo requiere de habilidad, sino también de una gran capacidad de adaptabilidad a condiciones cambiantes constantemente. Incluso el profesional más formado debe combinar su creatividad con los obstáculos de la producción y la seguridad del equipo.
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Hay ganas, ¿eh? Da igual las veces que te toque subir al escenario en la gala. Ir a Sanse ya de por sí es un premiazo. Pocas veces nos juntamos todxs lxs amiguis de la publi y eso hay que celebrarlo. Así que te daremos unas cuantas ideas para que te lleves un gran recuerdo (aunque luego hagas cosas de las que preferirías no acordarte). Pero antes, céntrate un poco:
Ya que te han pagado (o te has pagado) la inscripción al festival… Aprovéchalo que los del c de c se han currado un programón… TOP: ponencias, actuaciones musicales… ¡de to’! Y en los pasillos y descansos: habla, conoce gente, reencuéntrate con ex compis, intercambia opiniones, escucha, reflexiona, descubre tendencias, inspírate… Nútrete de creatividad que para eso vas. Eso, lo primero, y después…
¡A liarla en Donosti!
Que para eso vas también. Y como nosotros ya hemos ido unas cuantas veces, nos hemos tomado la licencia de preparar…
LA GUÍA SANSE DE WE ARE CP
Hay que ver cómo se come en Sanse, oiga. A todas horas apetece llevarse cosas ricas a la boca. Para que tengas claro dónde ir…
Desayuneo
Puedes empezar el día a lo grande en el Maiatza, donde sirven unos brunch “estupendos y muy variados”, en palabras de la cocinera Elena Arzak. Si quieres algo más ligerito, pásate por el Iturralde y prueba su zumo de tomate, sus sándwiches o cualquiera de las chorrocientas infusiones que tienen. Y si te va el rollo bakery y el olorcito a pan recién horneado, ve a The Loaf o a Galparsoro y a salivar. De nada.
Pintxos y poteo
La verdad, si quieres recorrer Sanse a base de pintxos, no te la acabas. La variedad es tanta y tan buena que no te dará tiempo de probarlo todo durante el finde del Día C, pero si vas a cualquier bar de los de esta lista (con sus pintxos recomendados), fijo que no fallas:
Quizás pasas de recomendaciones porque eres un espíritu libre y prefieres perderte e improvisar. Genial. Pero si también eres “un poco trainee” en tema pintxos, al menos sigue esta guía para no liarla.
Dónde comer
Te lanzamos un facto: Para llenarte a base de pintxos en Donosti hay que pedir un crédito. Todo el mundo lo sabe. Así que si no quieres quedarte con hambre, puedes ir a La Gresca y jincarte un increíble menú del día. El Arenales también tiene una relación calidad-precio brutal. Si quieres buenos vinos, el Curdelón y el Basqueland Izakaia si prefieres una cerveza artesanal. Si hace solete, puedes ir a la terraza del Marinela, que está en el puerto. De lujo si te va el pescado, el marisco y las fotitos en Instagram. Y añadimos, la Cuchara de San telmo con sus carrileras, el bar Nestor con su chuletón y Gambaracon lo que te dé la gana, que no te equivocas. También puedes tirar de buenas burgers enDesy, Garua y Va Bene, probar los bocadillos más popus de Sanse en Juantxo Taberna o comerte unas pizzas que flipas en Humo Pizza.
Bueeeeeno…
¿Y ahora qué? ¿Una siesta? Mejor un paseíto, ¿no? Date una vuelta por estos parques y paseos si necesitas que te dé el aire. Y para cerrar con broche de oro esta marvellous guía, te regalamos…
10 consejos muy WE ARE CP para sobrevivir en Sanse
(Que se note que hemos estado a lot of veces)
Bañador en la maleta. Y chubasquero. Ábrete al imprevisible tiempo de Sanse como una flor en primavera.
Sitios buenos para comer los hay patadas. Pero siempre, SIEMPRE reserva con antelación.
Los taxis son un bien preciado en Donosti. Y a partir de ciertas horas, más. Alójate en el centro. Lo agradecerás.
Si tienes tiempo y coche, recorre la costa hasta Zarauz y Guetaria y come allí. Apunta: Elkano y Kaia-Kaipe. Vas a flipar.
Y en dirección contraria, cruza la frontera hasta San Juan de Luz. Oh là là, qué lugar.
También puedes ir al puerto de Pasajes (Pasaia). Son 15 minutos en taxi. Cruzas al otro lado con uno de los barquitos que van y vienen y comes en cualquier lugar. Con suerte, verás algún barco gigante cruzando el estrecho a pocos metros de ti. Si llevas marcapasos, mejor no vayas.
Come en una sidrería. Experiencia deliciosa y muy loca. Eso sí, antes un omeprazol.
Tomate un café en el hotel del Monte Igueldo. Vistazas. Si te alojas allí, no ranciees y pide una habitación con vistas a la bahía.
Apúntate al plan publicista por excelencia: Museo del whisky → GU (conocida como “el barco”) → Bataplán. Nos reunimos todos allí. No te cortes. Risas, abrazos y mucho amor asegurados.
Sonríe todo el rato. Que lo tuyo es un privilegio: trabajas en publicidad y te llevan de excursión a Sanse. ¿Qué más le puedes pedir a la vida?
Eso es todo, queridx. ¡Ah! Una cosa más: Si nos ves, arrímate, que vamos cargaditos de stickers y buen rollo. Mira, el año pasado acabamos así. Just saying…
Con cariño, El equipo de We Are CP
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Grace Wells (@gracewellsphoto) es una joven norteamericana que durante la pandemia comenzó con lo que ella pensaba que sería tan solo un pasatiempo. Este se centraba en la fotografía, la grabación de vídeos y la creación de contenido en redes sociales. Dicho hobby le ha permitido a día de hoy trabajar de manera autodidacta en un ámbito creativo.
Mucha gente hoy en día se dedica, o intenta dedicarse, a las redes sociales. Son pocos los que lo consiguen, pero Grace Wells puede afirmar que ella es una de ellos. Crear contenido en redes sociales le ha permitido poder trabajar a tiempo completo en el ámbito de la producción comercial. Con 2.8 millones de seguidores en TikTok, 805 mil en Instagram, y 17 mil en YouTube, es toda una figura en este mundillo, y ha ganado fama gracias a sus habilidades audiovisuales y dando rienda suelta a su libertad creativa.
Todo comenzó con un spot para un tenedor. Curioso, ¿verdad? Eso es justo lo que pensaron los usuarios, pero este fue el vídeo que comenzó la serie ‘Making epic commercials for random objects‘. El objetivo principal de Grace no era comenzar una serie, pero la respuesta al vídeo fue tan sorprendente que se animó a llevarla a cabo. Esta se basa en un conjunto de videos, anuncios falsos para objetos aleatorios, como una bolsa de tierra, papel higiénico, un clip de papel o incluso un huevo.
Tras publicar el video “Le fork”, donde publicita un tenedor, en su sección de comentarios se acumularon sugerencias por parte de usuarios o nuevos seguidores. Para continuar la serie, decidió elegir cosas que a la gente le apetecía ver, y comenzó a responder a comentarios con nuevos spots.
El primer acuerdo que consiguió con una marca fue en septiembre de 2021, después de publicar un spot sobre papel higiénico. Usó una marca específica en este, y dio la casualidad de que el vídeo llegó hasta ellos. Acto seguido le pidieron que les hiciera un anuncio. Una vez publicado, otras marcas comenzaron a contactar con ella.
En 2022, Tool of North America, una productora con sede en Los Ángeles, la fichó. La incluyeron en un programa diseñado para conectar a creadores independientes que trabajan en redes sociales con medios tradicionales. Grandes marcas comienzan a dirigir gran parte de sus presupuestos de marketing hacia redes sociales, cosa que les ayuda a impulsar su presencia en otros ámbitos. El potencial de audiencia es muy alto, y los costes de inversión mucho más asequibles. De esta manera, se crea la necesidad de personas que entiendan la mejor manera de moverse por estos espacios y conseguir los objetivos y necesidades previstas.
Creatividad, y manos a la obra
En cuanto a los decorados y sets, comenzó grabando en su propia habitación o salón. Ahora tiene un estudio en el que puede causar más cambios y almacenar más muebles. Wells genera decorados muy realistas, usando diversos productos y muebles, a veces improvisando o usando otros objetos aleatorios.
La flexibilidad de la producción le permite trabajar de forma independiente, pero encuentra varios límites a esta independencia. El principal es el problema de personal. Trabaja sola, y lo hace todo ella misma: la edición, la iluminación, la fotografía, la construcción de sets… It’s a one woman show. A veces en sus videos aparecen segundas personas, las cuales quizás actúan o ayudan a mover una cámara u objeto, pero la mayoría de los spots los produce sola. Por eso, lo que una empresa de producción tarda uno o dos días en hacer, Grace lo logra en unas semanas.
Pero esto mismo es exactamente lo que hace su marca: su resiliencia y creatividad, y su capacidad de crear cosas por sí misma y no rendirse. Es todo un desafío, pero es gran parte de la razón por la que la gente se siente inspirada y su contenido gusta.
El proceso de creación para cada vídeo es bastante largo. Emplea entre dos y cuatro semanas para cada anuncio, pero este tiempo puede variar dependiendo de la importancia de este. Se debe tener en cuenta si es un acuerdo con una marca, o la duración final que tendrá.
En primer lugar planifica el vídeo, y crea el storyboard. En un vídeo de YouTube, Grace comenta que lo primero que hace al encarar un nuevo proyecto es elegir la música. Se inspira a partir de las diferentes melodías y notas, y juega un gran papel en el producto final.
Una vez la visión está clara, se dedica a organizar los decorados o elementos añadidos que pueda necesitar. Esto puede implicar la construcción de sets, u otras actividades artísticas y creativas para adaptarse al proyecto. Por último, el rodaje y la edición son dos procesos que van bastante de la mano, y combinados estos procesos duran aproximadamente una semana.
Creadores con contenido parecido
Otros creadores similares son Daniel Schiffer y Austen Paul, pero su mayor audiencia se encuentra en YouTube.
Daniel es otro creador que filma anuncios en casa y se hizo popular gracias a ellos. Acumula 2,32 millones de seguidores en YouTube, y 90,3 mil en TikTok. La mayoría de su contenido se centra en la creación de productos audiovisuales, pero también comparte algunos vídeos sobre su vida.
Austen hace videos más profesionales, pero sigue siendo del mismo estilo. Cuenta con 15,6 mil seguidores en TikTok, y 138 mil en YouTube. No solo se centra en grabar anuncios, si no que ofrece contenido que ayuda y enseña a otros usuarios a usar diferentes técnicas, materiales, o consejos.
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Ayrton Senna, piloto de automovilismo brasileño, dijo, “El segundo es el primero de los perdedores”. Esta frase, la cual instiga a la obsesión por conseguir la victoria, ha sido la fuente de inspiración de la nueva campaña de la marca CUPRA, para presentar su nuevo modelo, CUPRA Terramar. El lanzamiento fue el pasado 3 de septiembre, durante la 37º Copa de América, en Barcelona.
There is no second
El anuncio recibe el nombre “There is no second”, y es una frase que se habla repetidamente por los diversos personajes que aparecen. El spot contagia un espíritu de competitividad, de no rendirse y seguir adelante, y darlo todo de uno mismo hasta el final, hasta conseguir el objetivo: la victoria.
El video ha sido dirigido por el aclamado director catalán J.A. Bayona (Lo imposible (2012), Un monstruo viene a verme (2016), La sociedad de la nieve (2023)), y producido por la productora Roma. Tanto la creatividad como la visión cinematográfica de Bayona han sido aspectos fundamentales en su creación, y el resultado final es una obra digna de la gran pantalla.
Cabe destacar la presencia del mar, uno de los personajes principales del anuncio. Su aparición no es una sin más, hay una explicación de porqué esta superficie aparece repetidas veces. CUPRA fue patrocinador oficial de la America’s Cup, la competición de vela más prestigiosa del mundo. Asimismo, como se ha mencionado, es allí donde se lanzó y presentó tanto el anuncio como el nuevo modelo de la marca.
En el spot se utiliza la combinación de diversos estilos, como animación en la introducción, efectos especiales (CGI) en numerosos momentos, y material rodado original. La combinación de imágenes rápidas y contrastadas crea una sensación de motivación en el espectador, haciendo que este se encuentre en el borde de su asiento durante los dos minutos que dura el anuncio. Además, hay muchos paralelismos entre personas, el mar, y el diseño del coche.
El rodaje del anuncio fue durante mismo año 2024, en junio, y se rodó en Barcelona (y alrededores) y en la Ciudad de la Luz, en Alicante.
Imágenes del rodaje de CUPRA Terramar. Fuente: ReasonWhy
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Tradicionalmente, la animación se ha conocido como una herramienta empleada para el entretenimiento de los niños. Satoshi Kon, en su uso de esta técnica, fue capaz de contar historias extraordinarias que daban la vuelta a factores imposibles, y a menudo inculcando grandes reflexiones filosóficas del hombre con su representación infantil de la humanidad.
¿Quién fue Satoshi Kon?
Satoshi Kon fue un director, animador y escritor japonés que revolucionó no solo el mundo de la animación, también la manera en que muchos cineastas hacen uso de la narración.
Como estudiante de universidad, comenzó a trabajar como artista de manga, y después de ganar el segundo premio en un concurso en la revista Young, tuvo la oportunidad de trabajar con Katushiro Otomo. Bajo su dirección, Kon escribió guiones y storyboards, en los cuales un tema recurrente en sus obras comenzó a tomar forma: la mezcla entre fantasía y realidad. Sus películas son conocidas por esta combinación, acompañada de otras temáticas oscuras que varían según la obra.
Su enfoque errático contando historias, su fluidez imparcial en la edición, su fluctuación con la realidad y lo subliminal lo convirtieron en un maestro del surrealismo y la visión y espectáculo creativos.
Satoshi Kon. Fuente: Cultura Geek.
Uso de la narración
En las obras de Kon, la experiencia en el espacio y tiempo se vuelve subjetiva. Haciendo uso del hiperrealismo para conseguir que sus obras parecieran surrealistas, trataba de crear realidades excesivas, y jugaba con la idea de realidad y fantasía, empujando la línea entre lo real y lo falso. Creía que no se podía tener uno sin el otro.
Este es uno de los grandes factores que diferencian a Kon de otros creadores y artistas japoneses: la manera en que empleaba su enfoque único de la narración visual. Permitía que la audiencia decidiese y diferenciase entre lo que era real y lo que no.
Además, la mayoría de interacciones entre personajes no se explican a partir del guión o el diálogo, si no a través de un proceso de edición para conectar la información de manera visual.
Fotograma de la película Paprika (2006).
Transiciones y uso del montaje
Cuando visualices una obra de Kon, cuidado con despistarse. Con solo parpadear, puedes perderte que estás en una escena diferente. Al no gustarle la lentitud de los cambios de escena tradicionales, las transiciones en sus películas son instantáneas, haciendo uso de cortes que transforman una escena interesante en alucinante, sin dejar olvidada la conexión entre todas las imágenes.
Algunas de las transiciones entre escenas que usaba son los match-cuts, intercalar períodos de tiempo que se reflejan entre sí, rebobinar, cruzar una línea hacia una nueva escena, uso de cuadros negros para saltar un corte, o usar objectos para borrar el cuadro. Estos match-cuts los combinaba con el empleo de espacios dinámicos, los cuales permiten que sus personajes sean más complejos que su ilustración en 2D.
Os dejamos un vídeo de Youtube que expone todas las transiciones usadas por Kon a lo largo de sus obras.
Obras e influencias
Cada una de sus obras es contextualmente simple y consta de un único hilo argumental que impulsa la producción mientras agrega lentamente capas sutiles a medida que avanza la película.
Estas son sus tres obras más conocidas, y las cuales siguen siendo una gran influencia persistente en el cine moderno.
Magnetic Rose (1995)
Magnetic Rose (1995) es un corto de 40 minutos basado en el futuro. La tripulación de una nave espacial sigue una llamada de emergencia a lo que parece una estación espacial en ruinas. Dentro de esta, la realidad y la alucinación convergen. Su argumento no es lo más importante, si no que cabe destacar su gran influencia en la ciencia ficción moderna. Kon representa temáticas como el aislamiento, la soledad, la represión y la pérdida, los cuales han estado activamente presentes en otras obras, como Cowboy Bebop (1998), Firefly (2002), e incluso Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017).
GIF de la película Magnetic Rose (1995). Fuente: Tumblr
Perfect Blue (1997)
Perfect Blue (1997) es una historia que describe el delirio y la cultura pop y de los ídolos. El director Darren Aronofsky compró los derechos de distribución del film para poder usar referencias sin tener problemas legales. Aunque lo niega rotundamente, no hay duda que la idea conceptual del thriller psicológico Black Swan (2010) es similar, por no decir casi igual, a Perfect Blue, tanto temática como narrativamente.
Además, en Requiem for a Dream (2000), la escena de la bañera es básicamente una réplica toma por toma de la que aparece en Perfect Blue. Un homenaje.
Similitudes entre Perfect Blue (1997) y Black Swan (2000). Similitudes entre Perfect Blue (1997) y Requiem for a Dream (2000). Fuente: CBR
Paprika (2006)
Paprika (2006) difumina las líneas entre la realidad y la imaginación. Es el resultado de los esfuerzos de Kon en intentar que la gente piense sobre la manera en que definimos nuestras realidades. Tuvo un gran impacto en la creación de películas, como Inception (Christopher Nolan, 2010), la temática de la cual es muy similar a la de Paprika.
Similitudes entre Paprika (2006) y Inception (2010). Fuente: Tumblr
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Los colores en el cine, o generalmente los colores en pantalla, se usan para transmitir un significado más profundo de la obra. Pueden usarse de muchas maneras: con fines estéticos, para mostrar emociones, identificar personajes, e incluso pueden llegar a ser un personaje principal de una historia.
Los colores elevan escenas de la realidad, acompañando al guion, y ayudando a explicar aquello plasmado en pantalla. Eso sí, no hay reglas establecidas para usar cada color de una manera u otra. Es verdad que puede que estemos acostumbrados a usar colores específicos para situaciones específicas (por ejemplo, el rojo para el amor o el peligro), pero cada cineasta establece sus reglas para el uso del color, diferenciándose así del resto. Incluso si estamos acostumbrados a ver un color representado de una manera, no existe un sentimiento particular asociado a un color particular. Además, la psicología del color puede cambiar dependiendo del contexto de la audiencia.
Dicho esto, sí que hay combinaciones de colores y puestas en escena que suelen usarse más, aunque, como se ha mencionado, en cada film estos se usarán de una manera u otra.
Complementarios
En primer lugar, tenemos los colores complementarios. Estos se encuentran en el extremo opuesto en la rueda de colores, y cuando se colocan uno junto al otro crean el contrastemás potente para los dos tonos (visualmente gratificante/agradable). Se combinan para causarefecto y aumentar el contraste y la separación entre dos aspectos de una imagen. Agregar equilibrio a la imagen significa que nada interrumpe el flujo del color.
Transformers (Michael Bay, 2007)La La Land (Damien Chazelle, 2016)
En el caso de Transformers (2007), se usan el azul y el naranja contrapuestos para destacar la presencia del coche y del piloto.
En cambio, en La La Land(2016), el rojo y el verde detrás de cada personaje representa una separación, y es un momento importante en la película. La La Land es un buen ejemplo del uso del color como parte del storytelling.
Otra combinación de colores complementarios bastante usual es el morado y amarillo.
Monocromáticos
A continuación, encontramos los colores o tonos monocromáticos. En estas escenas, solamente se usan diferentes tonos del mismo color.
En Blade Runner 2049 (2017), el personaje se encuentra en el desierto, y se usa una combinación de naranjas y marrones para representar la sensación de calor, la arena, simplemente el espacio en el que se está.
En La Chimera(2023), los colores son tonos crudos y claros, contagiando una sensación de calma.
Análogos
Cuando se hace uso de colores análogos, en pantalla hay una combinación de colores vecinos en la rueda de color. No destaca nada por encima de lo demás, pero sí que hay colores que rompen con los patrones de color. La misma tonalidad de colores aporta profundidad y contrastes a la imagen.
Emma (Autumn de Wilde, 2020)Barbie (Greta Gerwig, 2023)
Tanto en Emma (2020) como Barbie (2023), no hay ningún color que resalte por encima de los otros.
En la primera imagen, podemos ver tonos claros y poco llamativos, como verdes, amarillos, marrones, los cuales combinan entre ellos y se encuentran justo al lado en la rueda de colores.
En la segunda imagen, el color que predomina es el rosa, pero también hay tonos de azul, verde, morado, y pinceladas de amarillo. Aunque la mayoría del plano está cubierto de tonalidades rosas, ninguno de los objetos en otros colores destaca por encima de los otros, si no que hay un equilibrio y una estética específica.
Discordancia
Para hacer destacar algo en pantalla, un objeto, una persona, cualquier cosa que sea importante y que la audiencia deba ver, se usa la discordancia de colores. Esto ocurre cuando un color no pertenece a la combinación de colores, y lo único que hace es destacar sobre los otros. El objetivo es atraer la atención del público hacia un objeto particular en pantalla, ya que la audiencia se dará cuenta de cualquier cosa que no encaje.
Amélie (Jean-Pierre Jeunet, 2001)Scott Pilgrim vs. the World (Edgar Wright, 2010)
En el caso de Amélie (2001), la lámpara azul representa su tristeza en ese momento de la historia. Aunque por el contexto ya podemos entender de qué manera se siente la protagonista, ese objeto ayuda al público a leer el momento y las emociones sin necesidad de palabras.
En Scott Pilgrim vs. the World (2010), Ramona es quién destaca, gracias a su pelo de color y su roparosa. Sobre un fondo crudo, el rosa es llamativo, y nos ayuda a ver que el objetivo de Scott es hablar con ella.
Triádicos
Tres colores que se usan mucho en el cine son el amarillo, el rojo, y el azul. Si estos tres colores aparecen en pantalla al mismo tiempo, y son el foco principal de la escena, podemos decir que se ha usado la técnica de los colores triádicos. Estos son colores que se encuentran a la misma distancia en el círculo cromático, y dan un balance a la imagen.
Superman: The Movie (Richard Donner, 1978)Joker (Todd Philips, 2019)
De asociación
Cuando una paleta o color recurrente en una película representa un personaje o temática, se le llama color asociativo o de asociación.
Kill Bill (Quentin Tarantino, 2003)The Grand Budapest Hotel (Wes Anderson, 2014)
En Kill Bill (2003), Beatrix “the Bride” (Uma Thurman) lleva un traje amarillo, y se asocia este color con el personaje.
El color morado es el que se asocia al personaje de Ralph Fiennes, Monsieur Gustave, en The Grand Hotel Budapest (2014).
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