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IA y Arte: nuevas fronteras creativas

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En los últimos años, la IA ha comenzado a jugar un papel sorprendente en el mundo del arte, abriendo nuevas posibilidades creativas y transformando la forma en que entendemos la creación artística.

Desde pétalos creados por algoritmos hasta la creación de efectos únicos para una serie, la IA está desafiando las fronteras entre lo humano y lo digital. En este artículo, exploraremos cómo funciona el arte generado por la Inteligencia Artificial y dos de las artistas que más nos has gustado, y que están utilizando esta tecnología para redefinir lo que es posible.

Sarah Meyohas – Cloud of Petals

La inteligencia artificial puede servir para crear cosas únicas a partir de cosas que ya existen. Sarah Mehoyas es una artista multimedia conocida por su enfoque innovador, donde combina tecnología y arte. Esto es lo que ha hecho en este proyecto, combinar lo natural con lo artificial para crear pétalos únicos.

Para el proyecto “Cloud of Petals” se necesitaron 100.000 pétalos de rosa. Con un total de 16 fotógrafos y Mehoyas coordinándolo, se escogieron, abrieron, fotografiaron y digitalizaron todos estos pétalos. Es la mente humana la que senta las bases. A partir de todo ese conjunto de imágenes y datos masivos, se diseña un algoritmo de inteligencia artificial que permite crear de la nada pétalos totalmente únicos.

En este video se puede ver el resultado de la generación de estos pétalos totalmente singulares y que durarán para siempre. Consiguiendo así cuestionar la relación entre la belleza natural y la artificial creada por tecnología.

Alejandra G. López – La Mesías

«La Mesías» es una serie creada por Javier Ambrossi y Javier Calvo que ha conseguido abrirse paso como una de las mejores series españolas de los últimos años. Ha conseguido dejar huella en el panorama audiovisuales gracias al gran tándem que ha generado su narrativa y estética.

Una de las escenas más comentadas de la serie se produce cuando una de las protagonistas se encuentra en una rave y consume alucinógenos. Aquí es cuando entra en escena la artista Alejandra G. López, que ha sido una figura clave a la hora de conseguir ese equilibrio.

A través del arte y la inteligencia artificial, esta artista ha conseguido representar a la perfección y de una forma totalmente novedosa, las alucinaciones que sufre el personaje y que le recuerdan los traumas infantiles que sufre, logrando potenciar la emotividad y angustia que sufre en ese momento.

En una charla durante The AI Revolution 2024, Alejandra se define como una artista multidisciplinar y que acostumbra a trabajar mucho con imaginarios surrealistas. En ella, también contaba un poco como se llevó a cabo su trabajo en la serie. Los modelos que se utilizaron para transformar escenas ya grabadas proporcionaron capas de creatividad y distorsión visual.

Se centró en crear efectos alucinatorios que reflejan las experiencias subjetivas de los personajes, añadiendo intensidad a la trama principal de la serie que explora la oscuridad y el fanatismo religioso en el contexto familiar. La aplicación de inteligencia artificial ayudó a acentuar las metáforas visuales que juegan un papel importante en la serie.

También destacó la necesidad de la planificación y la creatividad en el proceso artístico, en lo necesario que es contar con tiempo para integrar de manera efectiva la IA en la escena, y aprovechar los errores de esta para crear efectos únicos.

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Glitch Art: la estética del error

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El Glitch Art es un estilo artístico que explora la estética del error, es decir, la corrupción intencionada de archivos digitales, como imágenes, videos, o sonidos, con una finalidad artística.

Se originó en la década de 1990 con el auge de la tecnología digital y ha crecido como una forma de arte contemporáneo que celebra lo caótico y que ha acabado siendo de lo más mainstream. En lugar de corregir los problemas, se utilizan como fuente estética.

Características del Glitch Art

El error es el componente central de este estilo. Puede ser un fallo visual, un error sonoro o una distorsión que altera la percepción original de una obra digital, pero con la diferencia que estos errores son intencionados y se producen manipulando archivos.

Frente a la perfección que suelen buscar las herramientas digitales, el Glitch Art pone en valor lo imperfecto. Las distorsiones visuales, como los píxeles fuera de lugar, los colores distorsionados o las secuencias de vídeo fragmentadas, son una declaración estética que subraya la vulnerabilidad de los sistemas tecnológicos. Los artistas intervienen en estos archivos de forma consciente para corromperlos.

Year of the Glitch – Phillip David Stearns

Rosa Menkman: la madre del Glitch

Rosa Menkman es una figura clave en el mundo del Glitch Art y se ha destacado no solo como artista, sino también como teórica. Su importancia radica no solo en sus creaciones visuales, sino también en su investigación y reflexión sobre la estética del error. Ha jugado un papel crucial en legitimar y expandir el conocimiento sobre este género, que antes era considerado más un fenómeno accidental que una forma artística consciente.

En sus obras, se especializa en la manipulación de lo que llama «ruido visual», explorando cómo los errores pueden crear experiencias estéticas únicas. Utiliza técnicas como la alteración de codecs de video, la intervención en señales analógicas y la manipulación de algoritmos para crear obras que desafían la percepción de lo que debería ser una imagen perfecta.

Además, su ensayo «The Glitch Moment(um)» (2011) explora cómo los errores tecnológicos pueden ser interpretados como intervenciones artísticas y cómo estos errores nos invitan a reflexionar sobre las imperfecciones de los sistemas digitales. Esto estableció una base académica para el estudio del Glitch Art como una forma legítima de expresión.

¿Únicamente arte?

El Glitch Art no solo tiene una dimensión estética, sino también una fuerte carga filosófica. En una era donde la tecnología tiende a buscar la perfección y la eficiencia, pone en valor el azar y lo no planificado. Esto puede verse como una crítica a la dependencia de la sociedad en la tecnología perfecta, recordando que incluso las máquinas pueden fallar.

Además, el glitch revela las fisuras en los sistemas digitales. Consigue subrayar la fragilidad de estos sistemas y muestra cómo el arte puede emerger de lo que, en otras circunstancias, sería visto como un fallo o un colapso.

A Vernacular of File Formats – Rosa Menkman

En resumen, el Glitch Art es un género de arte digital que abraza la imperfección y el caos, utilizando los fallos tecnológicos como algo creativo. Este arte no solo desafía las expectativas sobre la perfección digital, sino que también ofrece una crítica sobre la relación con la tecnología.

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Adaptaciones de videojuegos: ¿obras de arte o innecesarias?

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A lo largo de los años, los videojuegos han dejado de ser simples pasatiempos para convertirse en un fenómeno cultural. Este éxito ha llevado a que muchas de las franquicias más populares den el salto a la pantalla, tanto en forma de películas como de series. 

Sin embargo, llevar una experiencia interactiva a un formato narrativo no siempre ha sido sencillo. Desde la extraña versión de acción real de Super Mario Bros en 1993, hasta los éxitos recientes como Arcane y The Last of Us, las adaptaciones de videojuegos han recorrido un largo camino con sus más y sus menos. 

En este artículo, exploraremos algunos de los ejemplos más notables de esta evolución, analizando cómo estos títulos han conseguido capturar (o no) la esencia de los juegos en los que se basan.

Super Mario Bros (1993)

La película de «Super Mario Bros» de 1993 es una adaptación “live action” del videojuego, protagonizada por Bob Hoskins (Mario) y John Leguizamo (Luigi). A diferencia de los juegos, presenta un tono más oscuro y distópico que en un principio podría haber sido interesante, pero lejos de gustar, con el tiempo ha sido considerada una de las peores adaptaciones que se han hecho. 

Fue un fracaso tanto por la crítica como por el público, además de conseguir una recaudación bastante baja en taquilla, lo que la hizo un fracaso en todos los sentidos.

Este sería uno de los primeros fiascos que nos irían dejando múltiples producciones a lo largo de los años.

Pero aunque la espera se haya hecho larga, no todo es malo. Después de casi más de 30 años con adaptaciones fracasadas (ya sea a nivel de crítica o de taquilla) llegarían dos series que cambiarían la visión que se tenían de las adaptaciones hasta ese momento.

Arcane (2021)

«Arcane» es una serie animada de Netflix basada en el universo de League of Legends, desarrollado por Riot Games. La serie narra la historia de las hermanas Vi y Jinx en las ciudades de Piltover y Zaun, dos territorios con fuertes diferencias sociales y tecnológicas. 

Aunque está ambientada en el mundo del videojuego, la serie profundiza en la narrativa, mostrando complejos conflictos entre clases y personajes, con una animación innovadora e hipnotizante y un gran desarrollo emocional de los personajes. Además, volvía a poner en valor la animación y las grandes posibilidades que esta técnica ofrece. A continuación os dejamos una de las escenas más espectaculares de la serie:

Arcane fue un éxito tanto entre los fanáticos del juego como entre el público general, recibiendo elogios por su calidad visual, guion y construcción de personajes. Esta serie cuenta con una nota media de 9 en IMDB y primera en el ranking de la lista de las mejores adaptaciones hechas sobre un videojuego.

Os dejamos el trailer de la primera temporada para ilustraros de lo que estamos hablando:

The Last of Us (2023)

Es imposible que en el último año no hayas escuchado hablar de la serie «The Last of Us«, basada en el aclamado videojuego de Naughty Dog, que fue lanzada en 2023 por HBO. Esta es una de las adaptaciones que los fans llevaban pidiendo desde hace muchos años por ser considerado uno de los mejores juegos de la historia. 

La adaptación fue fiel al material original y siguió con fidelidad la trama de Joel y Ellie, dos sobrevivientes en un mundo post apocalíptico asolado por una pandemia provocada por un hongo parásito que convierte a los humanos en criaturas peligrosas, pero también profundizó en la psicología de los personajes y en algunos eventos que en el juego solo se tocan superficialmente. 

La serie fue elogiada por su actuación, con Pedro Pascal y Bella Ramsey en los roles principales, así como por su desarrollo emocional y visualmente impresionante. Aunque la elección de la actriz principal fue muy criticada por el poco parecido que compartía con el personaje del videojuego por los fans. 

Minecraft (2025)

«Minecraft» es uno de los videojuegos más populares de todos los tiempos, pero aún no contaba con una adaptación cinematográfica lanzada oficialmente. Sin embargo, hace unos pocos días se lanzó el trailer de la que será la primera adaptación a la gran pantalla de este videojuego de la mano de Warner Bros, con un elenco bastante conocido, como Jason Momoa, Emma Myers, Jack Black o Danielle Brooks. 

Pero lejos de que eso haya despertado ilusión por el proyecto, este ha recibido más burlas que admiración en los seguidores, dejando una recepción de las primeras imágenes terrorífica. Actualmente, el trailer en el canal oficial de Warner Bros, lleva más de un millón y medio de “dislikes”. Queda por ver cómo lo tratará la taquilla y la crítica cuando se estrene, pero de momento no pinta bien…

Aquí os dejamos el trailer de la película para que juzguéis vosotros mismos:

Lo que está claro es que para hacer una buena adaptación es necesario tomarse el tiempo y el respeto para hacerlo de la mejor manera. Pero muchas veces las grandes franquicias priorizan lanzar un producto que ya sabe que tiene un público, antes que la calidad. 

Una buena adaptación tiene que ser comprensible tanto por parte de los seguidores del videojuego como por la gente en general,y aportar más. Si algo han demostrado todas las adaptaciones que se han hecho es que si le gusta a los fans del videojuego, gusta al público que no lo es, y viceversa.

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Rodrigo Cuevas: la reivindicación del arte folclórico

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Del mismo modo que Rosalía consiguió que el flamenco llegara a lo más mainstream, Rodrigo Cuevas lo ha conseguido con el folclore asturiano. A través de la fusión de este género y la electrónica, ha despertado el interés nacional e internacional en un tipo de música y estética que solo conocían unos pocos.

En sus shows y videoclips se refleja ese estilo folclórico marcado por el arte, la interpretación y lo teatral. La reivindicación de la tradición es algo que solo puede ser efectiva a través del arte, y Rodrigo tira de esta batuta de una forma original y performativa, pero con un profundo respeto y conocimiento de lo que hace.

El siguiente videoclip es un buen ejemplo de ello. Presenta paisajes rurales de Asturias como escenario principal, junto con simbolismos culturales y un contraste entre lo tradicional y lo moderno. Su interpretación teatral y carismática añade una capa de expresión personal a la estética del vídeo, mientras que la cinematografía dinámica y el uso de colores vibrantes completan una experiencia visualmente inmersiva.

¿De dónde viene?

Rodrigo Cuevas, nacido en Oviedo, se define como un fenómeno de las artes escénicas, lo mismo que de la comunicación en su más vasto sentido. Cuenta con formación musical académica: grado medio de piano, estudios de tuba en el Conservatorio de Oviedo, además de tres años de Sonología en Barcelona.

Pero la verdadera revelación la tuvo cuando se fue a vivir a una pequeña aldea del interior de Galicia, donde entró en contacto con la música tradicional más pura gracias a sus vecinas pandereteiras.

Ahora ya ha sacado su tercer disco de estudio, acompañado del espectáculo “La Romería”, que se nutre de las canciones que conforman el álbum. Un álbum que está alimentado por el relato y el humor, por la crítica y la ironía, por la denuncia inteligente y la sensualidad marca de la casa, por el rigor y la belleza, por el uso naturalizado del asturiano y del español, con una puesta en escena que rompe con la imagen precedente, tanto en escena como en vestuario.

Fusión de Galicia y Asturias

La canción más popular de Rodrigo (casi cuatro millones de escuchas en Spotify) es una colaboración con Baiuca. Los dos se unen en una fusión única de estilos musicales y culturales, que combina la electrónica de vanguardia con elementos folclóricos gallegos y asturianos.

Baiuca, conocido por su innovador enfoque en la música electrónica gallega, se une a Rodrigo, revolucionando la música tradicional asturiana con su estilo extravagante y teatral, que se ve reflejado en el siguiente videoclip.

Como se puede ver, estos vídeos suelen presentar una rica paleta de colores, imágenes impactantes y una narrativa visual que celebra la cultura y la identidad asturianas. La estética de los videoclips de Cuevas a menudo juega con el contraste entre lo rural y lo urbano, lo tradicional y lo moderno, y eso es lo que lo hace único.

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El arte del Compositing

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El mundo del compositing en el cine, la televisión y la producción digital es un reino de creatividad y habilidad técnica, donde la magia visual cobra vida. En este universo, la fusión de elementos visuales da lugar a escenas que despiertan la imaginación y llevan a los espectadores a nuevos horizontes de experiencia audiovisual.

¿En qué consiste?

Se trata de una técnica audiovisual que involucra la integración de múltiples elementos visuales para formar una única imagen o secuencia. Este proceso se lleva a cabo en la etapa de postproducción, y permite a los creadores transportar al espectador a mundos imaginarios, crear efectos especiales impactantes, y dar vida a escenarios que desafían los límites de la realidad.

Uno de los ejemplos destacados es el uso intensivo de esta técnica en la creación de timelapses a partir de fotografías. Mediante el compositing, también es posible combinar una secuencia de fotografías estáticas para crear la ilusión de movimiento y transformación en el tiempo. Este proceso permite capturar la belleza del cambio gradual en paisajes naturales, la evolución de ciudades, y el flujo de la vida cotidiana de una manera sorprendente y cautivadora, como en esta pieza titulada “Winter”, de Jamie Scott. Se trata de su tercera película timelapse, y contiene una cantidad significativa de compositing.

Compositing y Motion Graphics:

El compositing y el motion graphics son dos aspectos clave en la postproducción audiovisual. El primero se centra en combinar y ajustar elementos visuales existentes, como imágenes y vídeos, para crear una escena final. El segundo se enfoca en la creación de gráficos animados y efectos visuales dinámicos para comunicar información de manera visualmente atractiva. Mientras el compositing trabaja con la composición de imágenes estáticas o en movimiento, el motion graphics se centra más en la animación y la creación de elementos desde cero. A pesar de sus diferencias, ambos comparten el objetivo de generar un resultado atractivo para el espectador. A continuación, os dejamos un ejemplo de motion graphics que se asemeja sorprendentemente al trabajo de un compositing: «Time Tides» del director Hideki Inaba.

La destreza de la Inteligencia Artificial en crear «fluidez»

Además, en la era digital actual, la inteligencia artificial ha comenzado a desempeñar un papel cada vez más importante en la producción de medios audiovisuales. Los algoritmos de IA son capaces de generar vídeos con un nivel de detalle y realismo sorprendente, lo que a menudo se asocia con la técnica de compositing. Estos vídeos generados por IA a menudo presentan una fluidez y coherencia visual que recuerda al trabajo meticuloso realizado por los artistas de efectos visuales en el compositing tradicional.

En resumen, el compositing es una herramienta esencial que posibilita a los creadores materializar sus ideas y ofrecer a la audiencia experiencias visuales inmersivas. Tanto en la pantalla grande, como en la pequeña, esta técnica desempeña un papel fundamental en la producción de contenido audiovisual.

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De Boer y su «Extracción de movimiento»

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Michiel de Boer, filmmaker, fotógrafo y artista de los Países Bajos, ha descubierto una innovadora técnica de edición de vídeo que él llama extracción de movimiento. En un vídeo tutorial, De Boer muestra cómo esta técnica se centra en aislar y destacar el movimiento en las escenas, a veces convirtiéndola en el único elemento visible. Utiliza su propio material para exhibir cómo se pueden captar desde movimientos obvios, hasta cambios sutiles y casi imperceptibles en diferentes escalas de tiempo:

¿Cómo se hace?

Como hemos podido ver, la técnica puede hacer que las ramas de los árboles destaquen al moverse con el viento, convertir partículas de polvo en resplandecientes rayos de luz, y descubrir insectos y animales camuflados en su entorno. Otros fenómenos, como la lluvia o la niebla elevándose, también se transforman en espectáculos visuales impactantes.

De Boer explica que la base matemática detrás de esta técnica es la autocorrelación, un concepto usado en la dinámica de fluidos para analizar turbulencias, lo que ayuda a entender fenómenos complejos. 

Sin embargo, aplicar esta técnica es bastante más sencillo. Basta con duplicar el video en una nueva capa, invertirlo y ajustar su opacidad al 50%. Luego, se ajusta la posición del video en el timeline según el efecto deseado: por ejemplo, moverlo un fotograma para destacar movimientos rápidos o, por ejemplo, cinco segundos para resaltar cambios más lentos y graduales. Para hacer los efectos más visibles, se pueden realzar las imágenes como se desee como, por ejemplo, con algunos filtros.

Un enfoque artístico

El vídeo tutorial no solo es una guía práctica sobre cómo usar esta técnica, sino que también funciona como una obra de arte visual. Entre los ejemplos mostrados, se incluye un ciervo camuflado que se desplaza a través de un bosque, y un hombre que camina sobre grava, cuyas pisadas iluminan las rocas desplazadas.

Este enfoque novedoso no solo es útil para editores de vídeo y artistas, sino que también ofrece a los espectadores la posibilidad de apreciar los patrones ocultos de movimiento en nuestro entorno. Michiel de Boer continúa explorando y expandiendo las posibilidades de esta técnica en su canal de YouTube, donde ofrece más experimentos educativos.

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Species: naturaleza cuadrada

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Species, la obra del estudio digital Six N. Five, dirigida por el talentoso artista argentino Ezequiel Pini, es un testimonio visual de la intersección entre la naturaleza y la geometría. Con su característico dominio de rombos, cuadrados y líneas rectas, la obra invita a una exploración profunda de la fusión entre elementos orgánicos y estructuras geométricas.

La estética moderna y pulida de Pini ha catapultado a Six N. Five al centro de la vanguardia del arte digital contemporáneo. A través de Species, el estudio se sumerge en un viaje creativo donde lo orgánico se transforma en formas geométricas definidas, creando un paisaje visual que desafía las convenciones y cautiva los sentidos del espectador.

Detrás de la magia de esta creación se encuentra un equipo de talentosos artistas y profesionales. El proceso de producción, liderado por Ezequiel Pini, ha contado con la colaboración de destacados expertos en CGI como Jesús Mascaraque y Andy Lipe, quienes han llevado la visión de Pini a nuevas alturas con sus habilidades técnicas y creativas. Las animaciones de Federico Piccirilo y Nil Estany, y las simulaciones realizadas por este último han infundido vida y movimiento a cada detalle de la obra, mientras que las texturas personalizadas de Maximilien Vert han añadido una capa adicional de profundidad y realismo a la experiencia visual.

Aimar Molero, a cargo del audio, ha creado una atmósfera sonora envolvente que complementa y potencia la experiencia sensorial de la pieza, sumergiendo al espectador en un mundo de sonidos que se funden con las formas y colores de la obra.

Además, las obras de Ezequiel Pini y Six N. Five han sido exhibidas en prestigiosos museos de arte contemporáneo alrededor del mundo, consolidando su posición como figuras destacadas en la escena del arte digital. La relevancia del arte digital en la sociedad contemporánea radica en su capacidad para reflejar y cuestionar las complejidades de nuestro mundo en constante cambio. A través de sus obras, los artistas digitales exploran temas sociales, políticos, culturales, existenciales o, como en este caso, simplemente estético, invitando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de la realidad y la condición humana.

En resumen, Species es mucho más que una obra de arte digital, es un testimonio del poder creativo y la imaginación ilimitada. A través de su fusión única de lo orgánico y lo geométrico, Six N. Five invita al espectador a explorar nuevos horizontes en el mundo del arte digital contemporáneo, donde la belleza y la creatividad se unen en una armonía cautivadora.

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La revolución de la «sportografía» en los smartphones

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En el Mobile World Congress (MWC24) de Barcelona, la marca china Honor ha presentado su nueva gamma de dispositivos con una gran variedad de novedades. Entre ellos, se encuentra el Honor Magic6 Pro, el smartphone que resalta por la gran duración de la batería, su nuevo software y las grandes prestaciones que tiene su cámara y la IA que la acompaña. Todo esto promete revolucionar la fotografía deportiva hasta el momento.

Teleobjetivo incluido

Cada vez toma más importancia el zoom en los móviles con el objetivo de captar esos grandes momentos en conciertos o eventos deportivos. Queremos guardar esos recuerdos casi como si estuviésemos en primera fila. Honor ha tenido esto en cuenta, y ha apostado por una combinación de tres cámaras traseras con distintas resoluciones y aperturas del diafragma, en las que se incluye una cámara teleobjetivo. Estas son:

  • Cámara principal: 50 MP (f/1.4 – f/2.0)
  • Cámara teleobjetivo: 180 MP (f/2.6)
  • Cámara ultra gran angular: 50 MP (f/2.0)

Todo este conjunto hace que este teléfono, a la hora de hacer fotos, sea mucho más funcional. Además, contiene unos presets (cámara lenta, alta resolución, etc.) que ayudan a los usuarios a conseguir un uso óptimo de estas lentes.

La revolución de la “sportografía”

Nos pasa a menudo que, cuando intentamos sacar una foto de un evento deportivo o de cualquier situación en movimiento, los sujetos salen borrosos. Gracias al Falcon Camera System y a la nueva AI Motion Sensing, este problema parece que se reduce bastante. Esta última tecnología utiliza una base de datos de 8 millones de imágenes para reconocer cuál es el sujeto, y es capaz de identificar más tipos de movimientos en menos tiempo para capturar la imagen con la mayor nitidez posible. De esta forma, con el modo «Captura de detección de movimiento«, el propio móvil escogerá cuál es el mejor momento para tomar la fotografía.

Como ejemplo para mostrar el funcionamiento de este sistema, se usaron a dos esgrimistas con el fin de poner a prueba esta nueva funcionalidad, tal y como se muestra en el siguiente video:

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Tres piezas musicales que no sabías que se grabaron con un iPhone

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En los últimos años, la evolución de las cámaras de los smartphones ha demostrado que no es necesario un gran equipo para realizar grandes piezas audiovisuales con una alta calidad profesional. Así lo demuestran algunos de los videoclips y performances más famosas de los últimos años, grabadas con un iPhone. Así pues, grandes artistas del panorama musical ya han elegido estos dispositivos para filmar sus proyectos.

A continuación, os dejamos tres de los más famosos ejemplos:

1. Lady Gaga – Stupid Love

El regreso de una de las estrellas del pop de la década, después de ganar un Óscar a mejor canción, venía de la mano de un videoclip que fue íntegramente grabado con el iPhone 11 y iPhone 11 Pro. Fue para su nuevo single llamado Stupid Love, que servía como presentación de su nuevo álbum Chromatica.

En el siguiente vídeo se muestra parte de cómo se realizó la grabación:

2. Olivia Rodrigo – Get Him Back!

La nueva estrella emergente americana también escogió el iPhone para la grabación del single de su aclamado segundo álbum Guts. No es la primera vez que Olivia Rodrigo colabora con Apple para realizar los videoclips de sus canciones, y parece que tampoco será la última, ya que los resultados son de una calidad y creatividad impresionante.

En el siguiente video se muestra el Behind the Scenes de cómo se realizó la grabación con iPhone:

3. Rosalía – Motomami ( TikTok Live Performance)

Todo el mundo conoce la performace que realizó una de las mejores artistas internacionales en la plataforma de TikTok. El estreno del segundo álbum de estudio de Rosalía marcó un antes y un después en la plataforma y a la hora de realizar la presentación de un gran proyecto.

En el Motomami Live Performance de TikTok no solo se graba con un smartphone, sino que también adapta toda la pieza al formato móvil, ya que está grabado en vertical. Tal y como asegura en una entrevista el director de fotografía del proyecto, Christopher Ripley, se utilizaron, aproximadamente, 13 móviles para la grabación, entre los que había varios iPhone 13 y iPhone 13 Pro.

Es esa misma entrevista, el director asegura que se haya grabado con el móvil es totalmente intencionado, ya que le da al espectador una sensación de dinamismo e intimidad con lo que está sucediendo detrás de la pantalla. Su objetivo no era que solo fuera un objeto con el que se grababa la pieza, sino que también formase parte del espectáculo: “La idea era ir más allá del truco de «Todo lo grabamos en un iPhone» y tratar realmente al dispositivo como un elemento físico en el espacio, un objeto que puede caerse, que puede ser cubierto por tierra o lanzado de una persona a otra. Queremos tratar al iPhone como un elemento que es parte integral de la narrativa”.

Y sin duda fue un objetivo que se consiguió, ya que el proyecto recibió un León de oro en el Festival de Cannes de 2023. A continuación, os dejamos la pieza:

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Exposición sobre la Inteligencia Artificial en el CCCB

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El CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona) abre las puertas a una nueva exposición sobre Inteligencia Artificial. Promete ser una experiencia fascinante no solo para los amantes de la tecnología y el arte, sino también para aquellos que tengan interés en la evolución humana y cómo afectan las nuevas tecnologías tan potentes en nuestra sociedad.

La tecnología que ha venido para quedarse

Todos hemos oído hablar de ella. Muchos hemos sentido miedo, o nos hemos divertido, jugando con el ChatGPT y las nuevas actualizaciones en los asistentes de voz, como Siri, Alexa y Google Assistant, que utilizan algoritmos de aprendizaje automático para entender y responder a las consultas de los usuarios de manera cada vez más precisa.

Esta nueva tecnología ha experimentado un crecimiento exponencial en los últimos años. Se trata de la capacidad de las máquinas para imitar la inteligencia humana y realizar tareas que normalmente requerirían la intervención de personas. Se basa en algoritmos y modelos matemáticos complejos que permiten a las máquinas procesar grandes cantidades de datos y realizar análisis avanzados. Esto ha llevado a avances significativos en prácticamente todos los ámbitos posibles.

La inteligencia artificial está presente en muchas áreas de nuestra vida diaria y tiene un impacto significativo en nuestras acciones cotidianas. Uno de los ejemplos más notorios es el uso de asistentes de voz como Siri, Alexa y Google Assistant, como hemos mencionado anteriormente, así como los algoritmos en las redes sociales y las plataformas streaming que permiten personalizar el contenido que queremos consumir, mostrando contenido relevante basado en nuestros intereses y comportamientos en línea. Pero su uso también se ve reflejado en muchos otros ámbitos, como el de la publicidad, la salud, la educación, el comercio electrónico, entre otros.

Se ha utilizado la IA en el campo de la medicina, para el diagnóstico y tratamiento de enfermedades, en el campo de la educación, para el desarrollo de sistemas de tutoría inteligente, en el campo del comercio electrónico, para analizar el historial de compras y el comportamiento del usuario, ofreciendo productos y servicios relevantes, y ahora en la publicidad, para generar contenido publicitario como textos, imágenes y vídeos, de manera automática.

Esto son solo algunos de los muchísimos ejemplos que podríamos dar respecto a cómo la IA se ha aplicado en diferentes ámbitos de una forma impactante e increíblemente eficiente. A medida que la tecnología continúa avanzando, iremos viendo aún más aplicaciones de la IA en nuestra vida diaria.

¿Qué podemos ver en la exposición sobre Inteligencia Artificial?

Ahora en el CCCB podemos ver una exposición acerca de la historia, el funcionamiento, las posibilidades creativas y los retos éticos y legislativos de la inteligencia artificial. En ella, podemos experimentar con la IA, conocer los riesgos, descubrir innovaciones científicas y artísticas y profundizar en una tecnología decisiva en el futuro de la humanidad.

A través de un recorrido que incluye instalaciones artísticas interactivas, obras de referencia con IA, piezas de nueva creación, entre otras, la exposición explora la relación entre la inteligencia artificial y la creatividad humana. La visita nos permite experimentar con la IA en primera persona a través de 25 instalaciones interactivas: desde oler flores de un árbol extinguido en el siglo pasado, hasta poner voz a una composición musical creada por IA.

Instalación interactiva. Fuente: NEO2
Instalación interactiva. Fuente: NEO2

En resumen, en «IA: Inteligencia Artificial» del CCCB, la ciencia y el arte se unen en una sinfonía de conocimiento y se plantean los retos éticos y sociales que esta tecnología conlleva.

Si quieres sumergirte en el fenómeno de la IA en primera persona, no dudes en acercarte a la exposición en el CCCB desde el 18 de octubre hasta el 17 de marzo del próximo año. Podrás ver instalaciones realmente impactantes de varios artistas internacionales, pioneros y emergentes, como Universal Everything, Robert del Naja (Massive Attack), Anna Ridler, Memo Akten, Mario Klingemann, Jake Elwes, Justine Emard, Steve Goodman (Kode 9), Espronceda, Eduard Escoffet o Maria Arnal, y de centros de investigación e innovación, como BSC, Axolot.cat, Music Technology Group (UPF), IIIA-CSIC, CVC o MIT.

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