Spots publicitarios… desde el salón de casa

Grace Wells (@gracewellsphoto) es una joven norteamericana que durante la pandemia comenzó con lo que ella pensaba que sería tan solo un pasatiempo. Este se centraba en la fotografía, la grabación de vídeos y la creación de contenido en redes sociales. Dicho hobby le ha permitido a día de hoy trabajar de manera autodidacta en un ámbito creativo.

Mucha gente hoy en día se dedica, o intenta dedicarse, a las redes sociales. Son pocos los que lo consiguen, pero Grace Wells puede afirmar que ella es una de ellos. Crear contenido en redes sociales le ha permitido poder trabajar a tiempo completo en el ámbito de la producción comercial. Con 2.8 millones de seguidores en TikTok, 805 mil en Instagram, y 17 mil en YouTube, es toda una figura en este mundillo, y ha ganado fama gracias a sus habilidades audiovisuales y dando rienda suelta a su libertad creativa.

El tenedor, el causante de todo

Todo comenzó con un spot para un tenedor. Curioso, ¿verdad? Eso es justo lo que pensaron los usuarios, pero este fue el vídeo que comenzó la serie ‘Making epic commercials for random objects‘. El objetivo principal de Grace no era comenzar una serie, pero la respuesta al vídeo fue tan sorprendente que se animó a llevarla a cabo. Esta se basa en un conjunto de videos, anuncios falsos para objetos aleatorios, como una bolsa de tierra, papel higiénico, un clip de papel o incluso un huevo. 

Tras publicar el video “Le fork”, donde publicita un tenedor, en su sección de comentarios se acumularon sugerencias por parte de usuarios o nuevos seguidores. Para continuar la serie, decidió elegir cosas que a la gente le apetecía ver, y comenzó a responder a comentarios con nuevos spots.

@gracewellsphoto

watch till the end for the final vid! // what object should i try next?? #videomagic #filmmaker #foryoupage #fyp #videography #photographybts #fork

♬ ROCKSTAR – DaBaby, Roddy Ricch

Marcas y contacto con profesionales

El primer acuerdo que consiguió con una marca fue en septiembre de 2021, después de publicar un spot sobre papel higiénico. Usó una marca específica en este, y dio la casualidad de que el vídeo llegó hasta ellos. Acto seguido le pidieron que les hiciera un anuncio. Una vez publicado, otras marcas comenzaron a contactar con ella

@gracewellsphoto

this idea was the 💩 // watch till the end for the final vid and don’t forget to follow me on ig! 📸 #videomagic #videographer #fyp #epiccommercials

♬ ROCKSTAR – DaBaby, Roddy Ricch

En 2022, Tool of North America, una productora con sede en Los Ángeles, la fichó. La incluyeron en un programa diseñado para conectar a creadores independientes que trabajan en redes sociales con medios tradicionales. Grandes marcas comienzan a dirigir gran parte de sus presupuestos de marketing hacia redes sociales, cosa que les ayuda a impulsar su presencia en otros ámbitos. El potencial de audiencia es muy alto, y los costes de inversión mucho más asequibles. De esta manera, se crea la necesidad de personas que entiendan la mejor manera de moverse por estos espacios y conseguir los objetivos y necesidades previstas.

Creatividad, y manos a la obra

En cuanto a los decorados y sets, comenzó grabando en su propia habitación o salón. Ahora tiene un estudio en el que puede causar más cambios y almacenar más muebles. Wells genera decorados muy realistas, usando diversos productos y muebles, a veces improvisando o usando otros objetos aleatorios. 

La flexibilidad de la producción le permite trabajar de forma independiente, pero encuentra varios límites a esta independencia. El principal es el problema de personal. Trabaja sola, y lo hace todo ella misma: la edición, la iluminación, la fotografía, la construcción de sets… It’s a one woman show. A veces en sus videos aparecen segundas personas, las cuales quizás actúan o ayudan a mover una cámara u objeto, pero la mayoría de los spots los produce sola. Por eso, lo que una empresa de producción tarda uno o dos días en hacer, Grace lo logra en unas semanas. 

Pero esto mismo es exactamente lo que hace su marca: su resiliencia y creatividad, y su capacidad de crear cosas por sí misma y no rendirse. Es todo un desafío, pero es gran parte de la razón por la que la gente se siente inspirada y su contenido gusta.

Pero, ¿de qué manera produce los vídeos?

El proceso de creación para cada vídeo es bastante largo. Emplea entre dos y cuatro semanas para cada anuncio, pero este tiempo puede variar dependiendo de la importancia de este. Se debe tener en cuenta si es un acuerdo con una marca, o la duración final que tendrá. 

En primer lugar planifica el vídeo, y crea el storyboard. En un vídeo de YouTube, Grace comenta que lo primero que hace al encarar un nuevo proyecto es elegir la música. Se inspira a partir de las diferentes melodías y notas, y juega un gran papel en el producto final. 

Una vez la visión está clara, se dedica a organizar los decorados o elementos añadidos que pueda necesitar. Esto puede implicar la construcción de sets, u otras actividades artísticas y creativas para adaptarse al proyecto. Por último, el rodaje y la edición son dos procesos que van bastante de la mano, y combinados estos procesos duran aproximadamente una semana.

Creadores con contenido parecido

Otros creadores similares son Daniel Schiffer y Austen Paul, pero su mayor audiencia se encuentra en YouTube.

Daniel es otro creador que filma anuncios en casa y se hizo popular gracias a ellos. Acumula 2,32 millones de seguidores en YouTube, y 90,3 mil en TikTok. La mayoría de su contenido se centra en la creación de productos audiovisuales, pero también comparte algunos vídeos sobre su vida. 

Austen hace videos más profesionales, pero sigue siendo del mismo estilo. Cuenta con 15,6 mil seguidores en TikTok, y 138 mil en YouTube. No solo se centra en grabar anuncios, si no que ofrece contenido que ayuda y enseña a otros usuarios a usar diferentes técnicas, materiales, o consejos. 

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«No hay segundo»: el lema de CUPRA Terramar

Ayrton Senna, piloto de automovilismo brasileño, dijo, “El segundo es el primero de los perdedores”. Esta frase, la cual instiga a la obsesión por conseguir la victoria, ha sido la fuente de inspiración de la nueva campaña de la marca CUPRA, para presentar su nuevo modelo, CUPRA Terramar. El lanzamiento fue el pasado 3 de septiembre, durante la 37º Copa de América, en Barcelona.

There is no second

El anuncio recibe el nombre “There is no second”, y es una frase que se habla repetidamente por los diversos personajes que aparecen. El spot contagia un espíritu de competitividad, de no rendirse y seguir adelante, y darlo todo de uno mismo hasta el final, hasta conseguir el objetivo: la victoria.

El video ha sido dirigido por el aclamado director catalán J.A. Bayona (Lo imposible (2012), Un monstruo viene a verme (2016), La sociedad de la nieve (2023)), y producido por la productora Roma. Tanto la creatividad como la visión cinematográfica de Bayona han sido aspectos fundamentales en su creación, y el resultado final es una obra digna de la gran pantalla.

Cabe destacar la presencia del mar, uno de los personajes principales del anuncio. Su aparición no es una sin más, hay una explicación de porqué esta superficie aparece repetidas veces. CUPRA fue patrocinador oficial de la America’s Cup, la competición de vela más prestigiosa del mundo. Asimismo, como se ha mencionado, es allí donde se lanzó y presentó tanto el anuncio como el nuevo modelo de la marca.

En el spot se utiliza la combinación de diversos estilos, como animación en la introducción, efectos especiales (CGI) en numerosos momentos, y material rodado original. La combinación de imágenes rápidas y contrastadas crea una sensación de motivación en el espectador, haciendo que este se encuentre en el borde de su asiento durante los dos minutos que dura el anuncio. Además, hay muchos paralelismos entre personas, el mar, y el diseño del coche. 

El rodaje del anuncio fue durante mismo año 2024, en junio, y se rodó en Barcelona (y alrededores) y en la Ciudad de la Luz, en Alicante.

Imágenes del rodaje de CUPRA Terramar. Fuente: ReasonWhy

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El legado de Satoshi Kon: metáforas visuales para cineastas modernos

Tradicionalmente, la animación se ha conocido como una herramienta empleada para el entretenimiento de los niños. Satoshi Kon, en su uso de esta técnica, fue capaz de contar historias extraordinarias que daban la vuelta a factores imposibles, y a menudo inculcando grandes reflexiones filosóficas del hombre con su representación infantil de la humanidad.

¿Quién fue Satoshi Kon?

Satoshi Kon fue un director, animador y escritor japonés que revolucionó no solo el mundo de la animación, también la manera en que muchos cineastas hacen uso de la narración. 

Como estudiante de universidad, comenzó a trabajar como artista de manga, y después de ganar el segundo premio en un concurso en la revista Young, tuvo la oportunidad de trabajar con Katushiro Otomo. Bajo su dirección, Kon escribió guiones y storyboards, en los cuales un tema recurrente en sus obras comenzó a tomar forma: la mezcla entre fantasía y realidad. Sus películas son conocidas por esta combinación, acompañada de otras temáticas oscuras que varían según la obra. 

Su enfoque errático contando historias, su fluidez imparcial en la edición, su fluctuación con la realidad y lo subliminal lo convirtieron en un maestro del surrealismo y la visión y espectáculo creativos.

Satoshi Kon. Fuente: Cultura Geek.

Uso de la narración

En las obras de Kon, la experiencia en el espacio y tiempo se vuelve subjetiva. Haciendo uso del hiperrealismo para conseguir que sus obras parecieran surrealistas, trataba de crear realidades excesivas, y jugaba con la idea de realidad y fantasía, empujando la línea entre lo real y lo falso. Creía que no se podía tener uno sin el otro. 

Este es uno de los grandes factores que diferencian a Kon de otros creadores y artistas japoneses: la manera en que empleaba su enfoque único de la narración visual. Permitía que la audiencia decidiese y diferenciase entre lo que era real y lo que no. 

Además, la mayoría de interacciones entre personajes no se explican a partir del guión o el diálogo, si no a través de un proceso de edición para conectar la información de manera visual.

Fotograma de la película Paprika (2006).

Transiciones y uso del montaje

Cuando visualices una obra de Kon, cuidado con despistarse. Con solo parpadear, puedes perderte que estás en una escena diferente. Al no gustarle la lentitud de los cambios de escena tradicionales, las transiciones en sus películas son instantáneas, haciendo uso de cortes que transforman una escena interesante en alucinante, sin dejar olvidada la conexión entre todas las imágenes

Algunas de las transiciones entre escenas que usaba son los match-cuts, intercalar períodos de tiempo que se reflejan entre sí, rebobinar, cruzar una línea hacia una nueva escena, uso de cuadros negros para saltar un corte, o usar objectos para borrar el cuadro. Estos match-cuts los combinaba con el empleo de espacios dinámicos, los cuales permiten que sus personajes sean más complejos que su ilustración en 2D.

Os dejamos un vídeo de Youtube que expone todas las transiciones usadas por Kon a lo largo de sus obras.

Obras e influencias

Cada una de sus obras es contextualmente simple y consta de un único hilo argumental que impulsa la producción mientras agrega lentamente capas sutiles a medida que avanza la película.

Estas son sus tres obras más conocidas, y las cuales siguen siendo una gran influencia persistente en el cine moderno. 

Magnetic Rose (1995)

Magnetic Rose (1995) es un corto de 40 minutos basado en el futuro. La tripulación de una nave espacial sigue una llamada de emergencia a lo que parece una estación espacial en ruinas. Dentro de esta, la realidad y la alucinación convergen. Su argumento no es lo más importante, si no que cabe destacar su gran influencia en la ciencia ficción moderna. Kon representa temáticas como el aislamiento, la soledad, la represión y la pérdida, los cuales han estado activamente presentes en otras obras, como Cowboy Bebop (1998), Firefly (2002), e incluso Guardians of the Galaxy Vol.2 (2017). 

GIF de la película Magnetic Rose (1995). Fuente: Tumblr

Perfect Blue (1997)

Perfect Blue (1997) es una historia que describe el delirio y la cultura pop y de los ídolos. El director Darren Aronofsky compró los derechos de distribución del film para poder usar referencias sin tener problemas legales. Aunque lo niega rotundamente, no hay duda que la idea conceptual del thriller psicológico Black Swan (2010) es similar, por no decir casi igual, a Perfect Blue, tanto temática como narrativamente.

Además, en Requiem for a Dream (2000), la escena de la bañera es básicamente una réplica toma por toma de la que aparece en Perfect Blue. Un homenaje.

Similitudes entre Perfect Blue (1997) y Black Swan (2000).
Similitudes entre Perfect Blue (1997) y Requiem for a Dream (2000). Fuente: CBR

Paprika (2006)

Paprika (2006) difumina las líneas entre la realidad y la imaginación. Es el resultado de los esfuerzos de Kon en intentar que la gente piense sobre la manera en que definimos nuestras realidades. Tuvo un gran impacto en la creación de películas, como Inception (Christopher Nolan, 2010), la temática de la cual es muy similar a la de Paprika.

Similitudes entre Paprika (2006) y Inception (2010). Fuente: Tumblr

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