IA y Arte: nuevas fronteras creativas

En los últimos años, la IA ha comenzado a jugar un papel sorprendente en el mundo del arte, abriendo nuevas posibilidades creativas y transformando la forma en que entendemos la creación artística.

Desde pétalos creados por algoritmos hasta la creación de efectos únicos para una serie, la IA está desafiando las fronteras entre lo humano y lo digital. En este artículo, exploraremos cómo funciona el arte generado por la Inteligencia Artificial y dos de las artistas que más nos has gustado, y que están utilizando esta tecnología para redefinir lo que es posible.

Sarah Meyohas – Cloud of Petals

La inteligencia artificial puede servir para crear cosas únicas a partir de cosas que ya existen. Sarah Mehoyas es una artista multimedia conocida por su enfoque innovador, donde combina tecnología y arte. Esto es lo que ha hecho en este proyecto, combinar lo natural con lo artificial para crear pétalos únicos.

Para el proyecto “Cloud of Petals” se necesitaron 100.000 pétalos de rosa. Con un total de 16 fotógrafos y Mehoyas coordinándolo, se escogieron, abrieron, fotografiaron y digitalizaron todos estos pétalos. Es la mente humana la que senta las bases. A partir de todo ese conjunto de imágenes y datos masivos, se diseña un algoritmo de inteligencia artificial que permite crear de la nada pétalos totalmente únicos.

En este video se puede ver el resultado de la generación de estos pétalos totalmente singulares y que durarán para siempre. Consiguiendo así cuestionar la relación entre la belleza natural y la artificial creada por tecnología.

Alejandra G. López – La Mesías

«La Mesías» es una serie creada por Javier Ambrossi y Javier Calvo que ha conseguido abrirse paso como una de las mejores series españolas de los últimos años. Ha conseguido dejar huella en el panorama audiovisuales gracias al gran tándem que ha generado su narrativa y estética.

Una de las escenas más comentadas de la serie se produce cuando una de las protagonistas se encuentra en una rave y consume alucinógenos. Aquí es cuando entra en escena la artista Alejandra G. López, que ha sido una figura clave a la hora de conseguir ese equilibrio.

A través del arte y la inteligencia artificial, esta artista ha conseguido representar a la perfección y de una forma totalmente novedosa, las alucinaciones que sufre el personaje y que le recuerdan los traumas infantiles que sufre, logrando potenciar la emotividad y angustia que sufre en ese momento.

En una charla durante The AI Revolution 2024, Alejandra se define como una artista multidisciplinar y que acostumbra a trabajar mucho con imaginarios surrealistas. En ella, también contaba un poco como se llevó a cabo su trabajo en la serie. Los modelos que se utilizaron para transformar escenas ya grabadas proporcionaron capas de creatividad y distorsión visual.

Se centró en crear efectos alucinatorios que reflejan las experiencias subjetivas de los personajes, añadiendo intensidad a la trama principal de la serie que explora la oscuridad y el fanatismo religioso en el contexto familiar. La aplicación de inteligencia artificial ayudó a acentuar las metáforas visuales que juegan un papel importante en la serie.

También destacó la necesidad de la planificación y la creatividad en el proceso artístico, en lo necesario que es contar con tiempo para integrar de manera efectiva la IA en la escena, y aprovechar los errores de esta para crear efectos únicos.

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Glitch Art: la estética del error

El Glitch Art es un estilo artístico que explora la estética del error, es decir, la corrupción intencionada de archivos digitales, como imágenes, videos, o sonidos, con una finalidad artística.

Se originó en la década de 1990 con el auge de la tecnología digital y ha crecido como una forma de arte contemporáneo que celebra lo caótico y que ha acabado siendo de lo más mainstream. En lugar de corregir los problemas, se utilizan como fuente estética.

Características del Glitch Art

El error es el componente central de este estilo. Puede ser un fallo visual, un error sonoro o una distorsión que altera la percepción original de una obra digital, pero con la diferencia que estos errores son intencionados y se producen manipulando archivos.

Frente a la perfección que suelen buscar las herramientas digitales, el Glitch Art pone en valor lo imperfecto. Las distorsiones visuales, como los píxeles fuera de lugar, los colores distorsionados o las secuencias de vídeo fragmentadas, son una declaración estética que subraya la vulnerabilidad de los sistemas tecnológicos. Los artistas intervienen en estos archivos de forma consciente para corromperlos.

Year of the Glitch – Phillip David Stearns

Rosa Menkman: la madre del Glitch

Rosa Menkman es una figura clave en el mundo del Glitch Art y se ha destacado no solo como artista, sino también como teórica. Su importancia radica no solo en sus creaciones visuales, sino también en su investigación y reflexión sobre la estética del error. Ha jugado un papel crucial en legitimar y expandir el conocimiento sobre este género, que antes era considerado más un fenómeno accidental que una forma artística consciente.

En sus obras, se especializa en la manipulación de lo que llama «ruido visual», explorando cómo los errores pueden crear experiencias estéticas únicas. Utiliza técnicas como la alteración de codecs de video, la intervención en señales analógicas y la manipulación de algoritmos para crear obras que desafían la percepción de lo que debería ser una imagen perfecta.

Además, su ensayo «The Glitch Moment(um)» (2011) explora cómo los errores tecnológicos pueden ser interpretados como intervenciones artísticas y cómo estos errores nos invitan a reflexionar sobre las imperfecciones de los sistemas digitales. Esto estableció una base académica para el estudio del Glitch Art como una forma legítima de expresión.

¿Únicamente arte?

El Glitch Art no solo tiene una dimensión estética, sino también una fuerte carga filosófica. En una era donde la tecnología tiende a buscar la perfección y la eficiencia, pone en valor el azar y lo no planificado. Esto puede verse como una crítica a la dependencia de la sociedad en la tecnología perfecta, recordando que incluso las máquinas pueden fallar.

Además, el glitch revela las fisuras en los sistemas digitales. Consigue subrayar la fragilidad de estos sistemas y muestra cómo el arte puede emerger de lo que, en otras circunstancias, sería visto como un fallo o un colapso.

A Vernacular of File Formats – Rosa Menkman

En resumen, el Glitch Art es un género de arte digital que abraza la imperfección y el caos, utilizando los fallos tecnológicos como algo creativo. Este arte no solo desafía las expectativas sobre la perfección digital, sino que también ofrece una crítica sobre la relación con la tecnología.

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Adaptaciones de videojuegos: ¿obras de arte o innecesarias?

A lo largo de los años, los videojuegos han dejado de ser simples pasatiempos para convertirse en un fenómeno cultural. Este éxito ha llevado a que muchas de las franquicias más populares den el salto a la pantalla, tanto en forma de películas como de series. 

Sin embargo, llevar una experiencia interactiva a un formato narrativo no siempre ha sido sencillo. Desde la extraña versión de acción real de Super Mario Bros en 1993, hasta los éxitos recientes como Arcane y The Last of Us, las adaptaciones de videojuegos han recorrido un largo camino con sus más y sus menos. 

En este artículo, exploraremos algunos de los ejemplos más notables de esta evolución, analizando cómo estos títulos han conseguido capturar (o no) la esencia de los juegos en los que se basan.

Super Mario Bros (1993)

La película de «Super Mario Bros» de 1993 es una adaptación “live action” del videojuego, protagonizada por Bob Hoskins (Mario) y John Leguizamo (Luigi). A diferencia de los juegos, presenta un tono más oscuro y distópico que en un principio podría haber sido interesante, pero lejos de gustar, con el tiempo ha sido considerada una de las peores adaptaciones que se han hecho. 

Fue un fracaso tanto por la crítica como por el público, además de conseguir una recaudación bastante baja en taquilla, lo que la hizo un fracaso en todos los sentidos.

Este sería uno de los primeros fiascos que nos irían dejando múltiples producciones a lo largo de los años.

Pero aunque la espera se haya hecho larga, no todo es malo. Después de casi más de 30 años con adaptaciones fracasadas (ya sea a nivel de crítica o de taquilla) llegarían dos series que cambiarían la visión que se tenían de las adaptaciones hasta ese momento.

Arcane (2021)

«Arcane» es una serie animada de Netflix basada en el universo de League of Legends, desarrollado por Riot Games. La serie narra la historia de las hermanas Vi y Jinx en las ciudades de Piltover y Zaun, dos territorios con fuertes diferencias sociales y tecnológicas. 

Aunque está ambientada en el mundo del videojuego, la serie profundiza en la narrativa, mostrando complejos conflictos entre clases y personajes, con una animación innovadora e hipnotizante y un gran desarrollo emocional de los personajes. Además, volvía a poner en valor la animación y las grandes posibilidades que esta técnica ofrece. A continuación os dejamos una de las escenas más espectaculares de la serie:

Arcane fue un éxito tanto entre los fanáticos del juego como entre el público general, recibiendo elogios por su calidad visual, guion y construcción de personajes. Esta serie cuenta con una nota media de 9 en IMDB y primera en el ranking de la lista de las mejores adaptaciones hechas sobre un videojuego.

Os dejamos el trailer de la primera temporada para ilustraros de lo que estamos hablando:

The Last of Us (2023)

Es imposible que en el último año no hayas escuchado hablar de la serie «The Last of Us«, basada en el aclamado videojuego de Naughty Dog, que fue lanzada en 2023 por HBO. Esta es una de las adaptaciones que los fans llevaban pidiendo desde hace muchos años por ser considerado uno de los mejores juegos de la historia

La adaptación fue fiel al material original y siguió con fidelidad la trama de Joel y Ellie, dos sobrevivientes en un mundo post apocalíptico asolado por una pandemia provocada por un hongo parásito que convierte a los humanos en criaturas peligrosas, pero también profundizó en la psicología de los personajes y en algunos eventos que en el juego solo se tocan superficialmente. 

La serie fue elogiada por su actuación, con Pedro Pascal y Bella Ramsey en los roles principales, así como por su desarrollo emocional y visualmente impresionante. Aunque la elección de la actriz principal fue muy criticada por el poco parecido que compartía con el personaje del videojuego por los fans. 

Minecraft (2025)

«Minecraft» es uno de los videojuegos más populares de todos los tiempos, pero aún no contaba con una adaptación cinematográfica lanzada oficialmente. Sin embargo, hace unos pocos días se lanzó el trailer de la que será la primera adaptación a la gran pantalla de este videojuego de la mano de Warner Bros, con un elenco bastante conocido, como Jason Momoa, Emma Myers, Jack Black o Danielle Brooks. 

Pero lejos de que eso haya despertado ilusión por el proyecto, este ha recibido más burlas que admiración en los seguidores, dejando una recepción de las primeras imágenes terrorífica. Actualmente, el trailer en el canal oficial de Warner Bros, lleva más de un millón y medio de “dislikes”. Queda por ver cómo lo tratará la taquilla y la crítica cuando se estrene, pero de momento no pinta bien…

Aquí os dejamos el trailer de la película para que juzguéis vosotros mismos:

Lo que está claro es que para hacer una buena adaptación es necesario tomarse el tiempo y el respeto para hacerlo de la mejor manera. Pero muchas veces las grandes franquicias priorizan lanzar un producto que ya sabe que tiene un público, antes que la calidad. 

Una buena adaptación tiene que ser comprensible tanto por parte de los seguidores del videojuego como por la gente en general,y aportar más. Si algo han demostrado todas las adaptaciones que se han hecho es que si le gusta a los fans del videojuego, gusta al público que no lo es, y viceversa.

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